Blog do Cenas Curtas

2010-06-29T08:38:00.000-07:00

Reportagem radiofônica

Por Juliana Deodoro

2010-06-22T13:15:00.000-07:00

Interação + humor + loucura = sucesso

Por Taís Ahouagi

Tem a cena que faz pensar, tem a que faz rir, tem a que emociona de um jeito difícil de explicar e a que simplesmente desagrada. Passar de uma história a outra em poucos minutos é também alternar impressões e sentimentos e ficar confuso. Porém, sempre há aquela que não deixa espaço para dúvida. Em “Pronto para mudar”, apresentado no domingo, último dia de voto popular do Festival Cenas Curtas, humor, experimentação, interatividade moderada e uma dose caprichada de non-sense capturam a atenção do espectador do início ao fim.
As quatro exclamações que abrem a sinopse da cena (Oportunidade!!!!) resumem bem a personalidade da vendedora que tenta convencer o público a comprar, a todo custo, o apartamento montado no palco. Mobiliado, com varanda, elevador e ótima localização, seria boa opção, não fosse pelas marcas de um passado misterioso. Marcas que transparecem na afetação da corretora e na interpretação do núcleo obscuro da trama.
Uma hóspede —ou intrusa?— tece sua carta de despedida sobre os móveis enquanto observa como a organização do lugar a incomoda. “De um lado, os livros de literatura. Do outro, filosofia. Até esse perfume que eu sinto. Uma ordem fechada”, reflete. Representada duplamente, a personagem evoca a loucura e tenta explicar que, involuntariamente, vomita coelhinhos de quando em quando. Sim, coelhinhos, que o espectador, aos poucos, entende o que são —ou acredita entender— ao longo da cena.
Em momentos paralelos e intercalados, as duas instâncias de interpretação se unem quando a possibilidade de compra se aproxima e os coelhinhos cuspidos ultrapassam uma dezena. É o ponto de crise. Onde escondê-los? O que fazer com o que foge ao controle? “Irei espalhá-los pela rua. Separados, ninguém imaginará que são todos de um só lugar. O único corpo que sobrará será este, o meu”, diz. Como anunciado na sinopse, “tudo exatamente como antes do acontecido. Uma ordem fechada. Pronto para mudar.”
Com 32,78% da preferência, “Pronto para mudar” foi a vencedora da noite. Isso porque disputou com outras boas cenas e, sendo de fora do Estado, não contou com o mesmo apoio dos grupos locais.

Para colher os louros
Durante a Temporada das Mais Votadas, a partir de quinta-feira, o grupo se reapresenta ao lado de “Duas palhaças e um pequeno príncipe” —ótimo espetáculo que também conquista pelo riso. Ou pelo mau humor. Nada como a interpretação apurada do palhaço ranzinza que se irrita com o companheiro ingênuo para arrancar risos sinceros da platéia. De 24 a 27 de junho, também atuam novamente “Flicts”, “Suave [in]pura brancura” e “RG 38 e mais nada”, além da vencedora do Cena Espetáculo, “1999=10”.

2010-06-20T13:40:00.000-07:00

Entrevista Tag no Cenas Curtas

2010-06-20T08:23:00.000-07:00

Na platéia, o palco principal

Por Taís Ahouagi

Entre as várias peculiaridades do Cenas Curtas, tem uma que não dá para deixar de notar e comentar: o público. Na noite de sexta-feira, um desavisado que se deparasse com essa platéia certamente estranharia. É que era muita animação. Muita.

Na entrada, cada um ganhou pacote de figurinhas e o álbum com espaços para colar. Em vez de fotos dos jogadores de futebol, cenas daquela e de outras noites. Claro, nenhum embrulho veio completo, e todos continham pelo menos uma imagem repetida. Foi suficiente para garantir a interação. “É para que o público literalmente tenha oportunidade de trocar figurinhas entre si”, explicou o coordenador do festival, Leonardo Lessa.

Quando as primeiras pessoas chegaram ao teatro, foi de uma vez, falando sem parar e já negociando entre si as melhores formas de completar as coleções. A trilha caliente de Rick Martin que os acompanhava denunciava que não seria uma noite comum. Em poucos minutos, o que poderia ser um auditório apreensivo se transformou em clubinho da troca capaz de dar inveja ao ponto tradicional no bairro São Bento. Em vez de conversas, gritos: “Éeeethel! Etheeeel! Quer trocar alguma por esta?” “Ah não, Jessica, você deu todas as figurinhas pro Cris.”, “Troca comigo, Carol?”

A essa altura, a trilha migrara para o jingle da Globo das Copas do Mundo (“eu vou que vou, com o coração batendo a mil, bola pra frente, Brasil...”) e a intensidade do desejo e da barganha também aumentavam, pois descobriu-se que, como em qualquer coleção, sempre há as unidades mais desejadas: “troco cinco pela 19”, gritou alguém. “Eu dou R$5. Melhor, uma cerveja!”, tentou outro. “Eu dou três figurinhas e um beijo”, apelou.

Pausa. A primeira cena iria começar. Ou seria o primeiro intervalo de uma atuação que já acontecia? Por alguns minutos, o ar compenetrado do início do espetáculo pareceu destoar do ambiente. Afinal, estávamos ali para assistir ou para completar o álbum? A interpretação de sentimentos dúbios, complexos e contraditórios de “O cesto” parecia ser o fim da exaltação. Foram quinze minutos suficientemente impactantes para deixar uma atmosfera angustiante. Mas nada que o anúncio de cerveja por R$3 não fizesse o público voltar para o troca-troca.

De repente, mais uma novidade. “Alice está montando álbum só com os pezinhos!”, gritou alguém. “Quem contribui?” É que a foto da cena de “Duas palhaças e um pequeno príncipe”, que dá destaque ao pé de um dos artistas, estava em praticamente todas as embalagens. Pouco valorizada até então, se tornou motivo de rebuliço, provocando uma enxurrada de figurinhas passadas de mão em mão.

Pausa de novo. Entram em cena as donas dos pés em uma atuação sutil e divertida, que contribui ainda mais para os risos e falas altas. Mais trocas, mais interação. Outra cerveja. E alguém garante que está próximo de ter o álbum cheio. Os debates amorosos de “Coração acéfalo / Boca desgarrada” também não atrapalham a negociação. Perguntei ao homem sentado ao meu lado o que achou da peça, já que eu estava em dúvidas. Enquanto folheava seu álbum, me respondeu com a pergunta: “Você tem esta aqui? Estou quase completando a página”.

O clubinho da luta só ficou para escanteio após a encenação de “Pura Brancura”, do grupo mineiro Coletivo [entre] Teatro Dança, que levou torcida e fechou a noite com os pés da platéia batendo no chão para reforçar as palmas. Mas era também mais um intervalo. No segundo andar do Cine Horto, durante o bar do grupo Teatro 171, as figurinhas continuaram a ser passadas de mão em mão. Segundo Leonardo Lessa, ao final do festival, todo mundo ganha os números que faltam. Basta ir conferir as cenas vencedoras.

2010-06-20T08:18:00.000-07:00

Inusitado prêmio off do Cenas Curtas

Por João Santos e Vanessa Ferraz

Bananas fazem parte da história do Teatro 171 desde o 9º Festival Cenas Curtas, quando o coletivo apresentou seu "Av. Pindorama". Agora preparando a festa de encerramento da 11ª edição do festival, os atores do 171 vão dar uma banana para seus calouros de Cenas Curtas. No domingo, enquanto os preparativos para a festa chegam ao fim, ocorrerá a entrega do troféu bem humorado que "homenageia" os artistas do evento com a fruta da terra. Vanessa Ferraz correu atrás de Mariana Blanco para descobrir mais detalhes.

2010-06-20T08:15:00.000-07:00

Impressões Terceiro Dia
Por Carolina Anglada

O Cesto

Dividir-se em dois: cada parte sustenta metade. "Há muito, toda luz se pôs", na vida da mulher que todo dia freqüenta o hospital, visitar o marido. O desejo é que ele morra, quando usar o vestido negro no velório haverá libertação. "A morte dele me fará nascer". Enquanto isso, as duas mulheres em cena, as duas mulheres de uma só personagem, às vezes se repetem, às vezes se estranham.
O duplo, o espelho, a cisão bíblica em dois, habitam as lendas, mitos, tradições populares, estudos freudianos, e inquietam o homem ao tornar consciente a insuficiência do ser. Ao mesmo tempo que ela deseja a morte do marido, não consegue ser só, canta para seu outro eu. Em toda pessoa, há aquela que pergunta e aquela que responde.
Por encantamento ou maldição, a recusa pela unicidade e autosuficiência, acaba levando a formação do duplo, sombra ou reflexo. Na cena, o conhecimento de uma é o da outra, mas frente aos acontecimentos cada uma possui sua sensação.
Na junção, elas sofrem, mas somam-se. "Amanhã eu preciso me lembrar de não preparar o cesto para a visita", às vozes se encontram, no último instante.

Duas palhaças e um pequeno príncipe

"Boa noite. Tudo bem? Eu tô ótima". Com o corpo caído, o olhar resignado, a voz irônica, a primeira palhaça entra pelo lado direito da platéia, como se estivesse lá o tempo todo, sentada como qualquer um. "Boa noite. Tudo bem? Eu tô ótima", indagando sem querer saber a resposta, mas matando o público de rir.
A outra palhaça entra, essa, mais espontânea, igualmente engraçada. Vão andando por entre o público, sem muito ornamento, sem muita novidade. Sentam-se cada uma em sua cadeira, postas uma ao lado da outra, no palco. Pedem que avisem quando der 13 minutos. Toda cena não pode passar dos 15, é melhor prevenir. "Eu não vim do Rio de Janeiro pra cá pra perder". Nem o público quer que elas percam.
Como dupla, as duas se completam e se erguem a cada momento. A irônica pega o livro do Pequeno Príncipe e ao ir lendo a história, vai se entregando. A outra é boba, e a conquista. Como o príncipe, cativa a raposa. Quando a gente vê, tem uma praticamente no colo da outra. E as duas quase choram.
Quase 15 minutos? Gol de placa! Pegam a cadeira e vão embora.

Coração acéfalo/ Boca desgarrada

Discursos paralelos que nunca se encontram, nem no fim. Ela, histérica, mente demais, bebe demais, manipula demais. Não é lésbica, mas é carente, conhece uma mulher, se casa. Qualquer coisa, se chegar em casa e ela estiver com outra, mata a outra e pega a mulher corta a cara todinha, "pra nenhum cirurgião conseguir consertar, e ela vê se acaba com essa vaidade toda". Ele, inconstante, "eu sou um pouco inconstante. Não, eu sou muito. Ou eu não sou?". Fica com a menina do seu trabalho, não consegue mais estudar, só quer saber dela, qualquer coisa "desde que fosse com ela".
A gente, daqui de cima, não sabe se ele fala dela e ela fala da outra. Ou se cada um fala do seu e eles nem se conhecem. Acontece que quando se esbarram, é só ele dizer "Eu te amo" ela cai. Cai sem querer, no início. Depois vai caindo compulsivamente. Cai que dói no público e incomoda. Ele diz que ama, só pra vê-la cair.
Amor quando acontece, uma hora, um se esborracha. Mulher primeiro, que é mais fácil de se entregar e está sempre disposta a acreditar. Mulher precisa de palavra precisa de mentira, mulher precisa ter no que acreditar, pra poder pegar o sofá, levar a mesa, juntas as escovas de dente. É ela quem cai todas as primeiras vezes.
No final é ele. Uma única e definitiva vez, o homem cai.

Suave [in] Pura Brancura

"Hoje vamos falar de amor. Amor que enfim morre, como morrem todos um dia". Parece que tudo ali é em forma de coração. Não literalmente, mas de forma sugestiva. O movimento dos corpos (im)pulsa com um estardalhaço desmedido. Rodam, giram, caem. Caem o tempo todo, que só é possível pensar que existe técnica. Não é qualquer um que cai. Caem bonito, na entrega, mas cair exige disposição, que depois ainda tem que levantar. Surgem balões, explodem balões, somem balões. É tudo dinâmico. Surgem cadeiras, sentam cadeiras, caem cadeiras, saem cadeiras.
As gentes são muitas, entram e saem, gritam ou nunca falam, depende da velocidade, todos em negro. O discurso é lírico e é rasgado. O discurso também pulsa. As sensações determinam o tom. O carinho nasce tímido, a dor tem voz de grito, o sexo prende, mas o nó na garganta desata. Explode balão!
"As vezes amar dói". Mas mesmo a dor do amor, às vezes é bonita. Mesmo em negro, quando estoura. Mesmo quando faz cair tanto, que tem ritmo. Mesmo quando são tantos os alvos, que a gente não sabe a cara de todos e mistura. Mesmo quando parece que estão todos contra, todos estiveram a favor... De criar e encantar nessa sobriedade toda. Haja delicadeza!
Na platéia, ou todos estiveram amando a cena, ou já amavam quem a fazia. Ou ambos. O fato é que não faltaram palmas. Merecidamente.

2010-06-20T07:54:00.000-07:00

Comentários sobre a noite de sexta

Por Vanessa Ferraz

Individualidade dentro de um Cesto

“Vivo num rio sem fundo”. É o sentimento expresso por uma das atrizes de O cesto, ao lidar com a situação do marido doente no hospital. A cena curta é, na verdade, toda a preparação da mulher que lida com algo novo, e se vê deparada com a morte de algo que aparenta ser o seu pilar.
A loucura e o sentimento de dúvida em relação ao futuro, são prontamente ultrapassados nesta cena. “A morte dele me fará nascer”, diz uma das personagens. O que fazer, como agir quando nos vemos sozinhos, encarando situações sinuosas da vida? “O que fazer depois que o hábito de se submeter ás vontades alheias não mais existe.”
Dirigida por Marco Antonio Rodrigues, a peça paulista mostra de forma dramática e simples o modo como muitas vezes são encaradas situações de perda e como nos parece relutante a tomada de decisões em meio ao emaranhado de viver.

Até o pequeno príncipe acharia cômico

Representando o Rio de Janeiro, as palhaças Indiana da Silva e Shoyu, começam a cena interagindo com a platéia, com a freqüente pergunta, seguida da resposta: “Você está bem? Eu estou ótima!” dessa forma, o público já sente de imediato o contexto cômico em que está prestes a ser inserido.
Colocando situações pessoais das personagens em cena, as atrizes Karla Concá e Vera Ribeiro, adentram o texto de Saint-Exupery, de forma suave e agradável. Optando por encenar o diálogo entre o Pequeno Príncipe e a Raposa, freqüentemente a historia é interrompida por uma intervenção muito bem humorada de uma das palhaças, que conta de forma natural e em tom de inocência, histórias mirabolantes, porém muito divertidas, o que deixa a outra palhaça cada vez mais impaciente.

Coracao acéfalo, boca desgarrada e muito sentimento de Curitiba para o Cenas Curtas.

Eles falam bastante de si. Narram inconstâncias, excessos, discutem sobre pessoas, abordam homens como homens, mulheres como mulheres... Paixões, carências, experiências diversas que podem ou não se transformar em amor.
Os atores Patrícia Cipriano e Rafael di Lari, abordam esses temas de uma forma jovem. O rapaz, conta suas experiências, e ela faz a mesma coisa mostrando no desenrolar da cena como elas são mutuas e individuais. “Não consigo dizer, somente sentir.”
Quando o casal diz a frase “Eu te amo”, a impressão despertada é a impactante realidade de que amar é algo sério, e enquanto ela cai desacreditada, ele é questionado quanto à veracidade da afirmativa. Na seqüência é hora de um retirar o outro de cena, abordando felicidade e crises conjugais, em meio à narrativa de situações individuais conflitantes.
A equipe de Curitiba misturou música e bom humor apresentando sua cena curta no terceiro dia do festival. Foi uma mostra de que todo o amor, e as cotidianidades de um casal, também tem a ver com a individualidade de cada um de nós.

Suave [in] Pura Brancura

Os atores se vestem de preto, talvez para fazer um paradoxo entre o amor e a morte. Em meio ao ritmo, os atores nos apresentam sentimentos que parecem nunca ser os mesmos. O toque é hábil ao contexto expressionista do corpo que transpassa a alma dos integrantes do elenco.
A peça dá margens subjetivas a sensações opostas. Navegando nos extremos e com todos os componentes apresentados de forma abstrata, prende a atenção ao que os atores tem a nos mostrar, sobre as atividades sensoriais desenvolvidas individual, e coletivamente.

2010-06-19T10:59:00.001-07:00

Segunda noite de cenas curtas
Por Brígida Alvim

Como é bom voltar ao espaço Galpão Cine Horto para assistir ao Festival de Cenas Curtas. Ver aquela movimentação toda, a correria dos contra-regras e produtores, os improvisos, as cenas sendo montadas bem em frente aos nossos olhos, aguçando nossa curiosidade. Reencontrar pessoas num clima amistoso, agitado e de expectativas.

A noite de quinta-feira desta 11ª edição estava, num ponto ideal de público; nem muito cheio, nem vazio. Fui subindo os degraus da arquibancada. Um aceno aqui e outro ali, vários rostinhos conhecidos. Consegui um bom lugar para sentar e, após muitos avisos e comunicados passados pelo cada vez mais simpático e bonito Léo Lessa, a luz foi apagada e iniciou-se a seqüência de cenas esperadas. A primeira veio a convite da casa para intercâmbio: “O funeral”, da cidade de Salvador. Num misto de dança, performance cênica e palhaçadas, a artista, sozinha no palco, expôs um belo drama pessoal. Ora a personagem se amolava com os espirros contínuos que a agoniavam, ora se aborrecia com o casaco que não a cobria por completo. Pequenas amolações e conflitos se passaram metaforicamente. Mas é claro que humor não faltou à cena, mesmo com o grande sofrimento vivido no final, quando a palhaça teve de enfrentar a morte de seu agasalho querido. E então vieram “Alpondras”, “Flicts”, “Eu tu elas” e, finalmente, “As lágrimas amargas de Petra Von Kant”.

As lágrimas amargas de Petra Von Kant

A cena retrata a história de uma polêmica personagem alemã, registrada em filme e em outras obras, inclusive uma marcante montagem teatral que teve Fernanda Montenegro como protagonista. Petra Von Kant é uma estilista bem-sucedida, de personalidade arrogante e irreverente. Seu portfólio é exibido de um lado para outro, transportado por modelos, em desfiles glamorosos. O sucesso é pleno; Petra é admirada, reverenciada, aplaudida. E aplaude também, a si mesma e à vida, até o dia em que a desgraça cai sobre si. O infortúnio de sua vida é causado por uma paixão arrebatadora, não correspondida, que faz dela prisioneira, condenada a sofrer seus piores dias. A intensa paixão é dedicada a uma bela modelo, que soube tirar proveito da situação e depois trair-lhe, humilhar-lhe e desprezar-lhe.

A estilista entra em depressão profunda e vai do topo ao caos. Essa transição é bem retratada por Fábbio Guimarães que, além de interpretar a personagem principal, é quem dirige a cena. No palco, é exposto o processo de decadência de Petra, evidenciado principalmente pelas feições e gestos interpretados. Estão em cena Fabiana Bergamini, que faz a modelo, e Fernando Barcellos, como a criada.

Outros aspectos significativos para compreensão da montagem, utilizados de forma sutil e inteligente nessa cena: as roupas sendo jogadas e espalhadas pelo chão – gesto feito e repetido várias vezes pela criada da casa – que contribui para configurar o cenário caótico que foi estabelecido pela decepção amorosa; os movimentos corporais que representaram o ato sexual praticado entre a modelo e o amante, sem que precisasse haver algo próximo do explícito; as cabeças raspadas como elemento comum entre Petra e a criada, utilizado para criar identificação entre elas; as músicas, os silêncios, os olhares e, certamente, o instante final, em que a personagem atira o pente contra o espelho, demonstrando ódio e reforçando sua degradação.

Enfim, parabenizo o grupo pela proeza de interpretar de forma autêntica e desprendida Petra Von Kant e suas lágrimas amargas!

2010-06-19T10:55:00.000-07:00

Festival de Cenas Curtas movimenta as artes cênicas no Cine Horto
Por Flávia Guerra e Fabiana Martins

Respeitável público!
O Galpão Cine Horto iniciou quarta-feira, 16 de junho, o 11º Festival de Cenas Curtas. O evento está de cara nova, porém, conservou o formato clássico, com 16 cenas de 15 minutos, distribuídas em quatro noites de apresentações. E em cada noite o público junto com uma comissão especializada votam na cena que mais agradou. As quatro cenas mais votadas disputarão uma vaga para cumprir uma curta temporada no Galpão Cine Horto, logo na semana seguinte do festival.
A grande mudança deste ano é a interatividade do público com os artistas no processo de criação. E mais, os espectadores tiveram a chance de conferir as quatro cenas selecionadas para a 2ª etapa do projeto Cena-Espetáculo apresentadas no primeiro dia do festival. No 11º Festival de Cenas Curtas, a Cena-espetáculo, tornou-se projeto independente na programação do Galpão Cine Horto. Em março desse ano com o edital próprio, foi realizada a primeira etapa: a Mostra dos Rascunhos de Cena. Cada artista encenou a essência de sua criação com duração de cinco a oito minutos. Foram 12 rascunhos e destes, quatro projetos foram selecionados para desenvolverem as cenas no limite de quinze minutos.
Para Fabbio Guimarães, ator, o Cenas Curtas é um festival de grande importância no cenário teatral mineiro, pois fomenta a criação artística de uma maneira inusitada: através das misturas de linguagens, de diferentes modos de fazer teatro, como a comédia, o teatro popular, a expressão corporal e permite ao artista trabalhar com a experimentação.
É válido destacar que após as apresentações, o tradicional Bar do Cenas Curtas, no segundo andar, aguarda a presença do público, sendo um espaço de troca entre a platéia e os artistas, com o comando do Grupo de Teatro 171 e mais, um dia após exibição das cenas, o Cine Horto abre as portas para um debate entre artistas e platéia. Vá correndo ao Galpão Cine Horto e garanta seu ingresso, a entrada é gratuita!

2010-06-18T14:53:00.000-07:00

Boteco do Cenas Curtas

Por Joao Santos

Quem vai ao Festival Cenas Curtas pode comprar bebidas antes ou até mesmo nos intervalos entre as cenas. Além disso, toda noite após as apresentações, o 2º andar do Cine Horto é tomado por neon colorido e festa.

O já tradicional Bar do Cenas Curtas este ano volta a ser comandado pelo Teatro 171. Além de já ter cumprido a função em edições anteriores do Festival, a equipe acumulou experiência através do projeto Botecos. Na entrevista as atrizes Marina Arthuzzi e Marina Vianna explicam um pouco a idéia e sua origem.

2010-06-18T14:23:00.000-07:00

Impressões Segundo Dia

Por Carolina Anglada

Alpondras

O caminho se dá entre duas vertentes: a encenação e a vídeoarte. Nos paralelos, a sensação é de causa e conseqüência. No palco, a atriz Tana Guimarães se equilibra entre as pedras, postas uma à frente da outra. A trajetória é arriscada e exige concentração. A tensão está lá e no rosto dos espectadores mudos, nas mãos tensas sentadas. No vídeo, aparentemente a mesma mulher já aparece sendo carregada pelo curso de águas de um riacho. Apática e sem intenção de salvação, ela se deixa levar.

Resigna-se. O momento encenado no palco parece ser anterior. Lá, ela ainda se propõe a se virar com o repertório que lhe é dado. As pedras às vezes são empecilhos, às vezes descansam, às vezes atravessam, às vezes são somente pedras.

No que se pode observar no teatro contemporâneo, a ação física do corpo tem se dado mais pelo deslocamento espacial do que através da voz ou das palavras. É o corpo capaz de atribuir significado tanto a si, quanto aos outros objetos em cena. No caso de Alpondras, é pelo corpo que torna possível perceber a distância entre o que é humano e essencialmente teatral do aparato tecnológico.

Parte do encanto se dá pela encenação, parte pelo apoio do audiovisual, onde no palco ambos constroem a poética da cena, cada um a seu modo, criando um resultado híbrido e uma forma nova de narratividade e dramaturgia.

O público ainda se mantém conservador, conservando até mesmo os aplausos. Trinta segundos depois e luz apagada, é que se percebe o fim. Aplausos comedidos. Mas esse time promete!

Flicts

"No princípio era o verbo". Mas antes do verbo, havia o nada. Então, a palavra não ocupa tudo. Dentre as obras literárias canônicas, sempre haverá uma lacuna. Não em termos dela não ser fechada e coerente dentro de sua verdade ficcional. Mas há de haver sempre alguns espaços lúdicos que cabem às interpretações preencherem. E irem além.

A cena Flicts, baseada na obra de mesmo nome, do escritor Ziraldo, extrapolou todas as lacunas, e o fez positivamente ao construir junto com o texto original. Nas mãos (voz, corpo, atuação e alma!) da única atriz, Mariana Jacques, que interpretou trazendo para os dias atuais a cor rejeitada, o resultado foi um retrato bastante caricatural e, ainda criativo. A caixa de lápis negando a participação, mas consolando: "O essencial é invisível aos olhos". A primavera personificada caracterizando Flicts como demodê e o enquadrando numa coleção retrô. O arco-íris brincando com o número das cores que o compõe: "Sete, muito cabalístico para ser mudado", coisa de família tradicional, é a ordem natural do mundo, mesmo. A bandeira. O mar.

"Só os astronautas sabem - que bem de perto, de pertinho, a lua é Flicts". Em cheio! O alvoroço do lance parecia já ter decidido o resultado. As luzes se apagam, o time de uma só sai de campo e a música não podia ser outra para o intervalo. "Brasil- sil- sil- sil"!

Eu Tu Elas

A proposta com direção de Karina Pereira é de riso leve e sorriso estampado permanente. As três palhaças construídas em cima de estereótipos clássicos surpreendem mesmo assim. A recalcada, plástico nas pernas, capa de chuva, não quer dar vexame e tem vergonha alheia. A efusiva bebe, se torna excêntrica. A metódica, carrega uma bolsa enorme da qual saem várias outras bolsas em ordem decrescente de tamanho. Mais panela, lencinho, bóias, chapéu e brinquedo.

De forma humilde, encenam e arrancam um humor gostoso. Os artifícios cênicos, da mesma forma. São três faixas amarelas referentes à areia. O mar avança sem avisar em cada uma delas. As faixas no chão viram azuis, a água. Tudo bem simples, mas encantador.

O ápice da cena, e da interação entre as três, aparece quando cantam inesperadamente "Singles Ladies" da cantora Beyonce, tentando imitar a coreografia do videoclipe de forma desengonçada. Tão aplaudido quanto Flicts, parece que o povo gosta é de gol fácil.

As lágrimas Amargas de Petra Von Kant

Modeletes com figurinos ousados, de acordo com os padrões fashionistas. Trilha sonora eletronicamente explosiva. Movimentos corporais ágeis, em ritmo de desfile. Um monte de roupas num canto do palco, quatros vestimentas inclassificáveis suspensas e um espelho do outro lado. A banheira no meio. Todo o entorno cênico, uma moda só. No bom sentido, é claro.

O ator Fabbio Guimarães travestido de Petra Von Kant, a estilista personagem do filme de mesmo nome da cena, vai fundo descortinando a futilidade e volta num piscar de olhos, ou melhor, de batida, de flash, de lance. Amar é construir uma coleção inteira inspirada na pessoa.

Na dor, é só passar a mala (vulgo peteca quente) para a outra personagem. Alguém carrega. É esse o glamour. O universo da moda é infinitamente referencial e a cena reflete isso. Os itens são milhares, o tempo é divido em flashes, tudo muito intenso e claustrofóbico. Em meio a tanto "luxo, o lixo".

No mais, vale pensar que a perda é um lugar sugestivo. Se bebe, se perde, se rasga, se confessa, se reconstrói, se cria. Qualquer coisa é só força na peruca e atira no espelho, Petra! A torcida fica com a gente...

2010-06-18T11:58:00.000-07:00

Alpondras concretas

Por Vanessa Ferraz

Pedras no caminho e sua suave travessia. Assim começa a segunda cena apresentada no festival de cenas curtas no dia 17 de junho, quinta-feira. No palco, a atriz criadora Tana Guimarães retira as pedras postas em linha reta e as agrupa perto de si enquanto forma uma nova estrutura performática. Ela se mistura em meio às alpondras e nota-se um emaranhado de expressões que nos transmitem pensamentos de todas as espécies. O que pode parecer abstrato a olhos nus, é, na verdade, muito concreto. “Acho a palavra ‘abstrata’ o oposto da cena. Abstração é algo que vai além do concreto, e o que a cena sugere é uma possibilidade de leitura”, afirma a protagonista.

Com poucos elementos no palco, o contexto em que a atriz se encontra, aparenta um vasto caminho de pedras a serem exploradas. “No sentido da narrativa esta cena exige um pouco mais, para suprir tal coisa trabalho muito á qualidade dos movimentos”, explica Tana. Sem mais delongas a cena apresenta a ideia de que ultrapassar barreiras e conflitos requer muito pensamento e raciocínio, sem esquecer é claro, do sentimento.

2010-06-18T11:42:00.000-07:00

Morte irreverente em O funeral

Por Vanessa Ferraz

Um misto de dança, irreverência, excelente atuação e interação com o público. Foi assim, O Funeral, a cena que abriu a 11ª edição do Festival de Cenas Curtas. Apontando a normalidade de um acontecimento que abala a todos os seres humanos, a palhaça Umbigolina nos faz enxergar o lado inverso dessa situação cotidiana da vida. Em 15 minutos, ela empolga com sua alegria e conteúdo dramático; em meio a espirros e expressões corporais, manifesta, ao público, a idéia de que a morte pode não ser algo tão ruim assim. “A morte é apenas uma fase, para mim é encantador trabalhar com esse tema através do clow. É uma maneira de perder o medo, de colocá-la com jocosidade, lirismo. É uma forma de diminuir esse peso que ela carrega”, diz Joice Aglae, a atriz amazonense criadora Umbigolina.

Utilizando um vestido verde, pulseiras barulhentas, máscara e cabelos ouriçados, a palhaça trás vida a um tema fúnebre, tocando além de sua caixinha de músicas, também o público no Galpão Cine Horto. “Trabalho com a máscara, que já é a morte do ator. O ator tem que morrer para a máscara viver”.

Com mestrado acadêmico em clow, a atriz acredita na célebre frase do francês Antoine Lavoisier: “Na natureza nada se perde nada se cria, tudo se transforma”. A tese dela aborda o que chama de DNA imaginal, ou seja, “os genes que se perpetuam desde a antiguidade, através de expressões lúdicas, não obedecem limites”.

2010-06-17T16:52:00.000-07:00

Gravacao e edicao Joao Santos
Reportagem Alunos do Nucleo de Jornalismo Cultural

2010-06-17T13:59:00.000-07:00

Elemento essencial

Por Samara Horta

Já ouviu falar que sua roupa diz muito sobre você? Pois é, no teatro ela pode informar tudo, sem soltar uma só palavra. Considerado um conjunto de elementos visuais, o uso do figurino é uma referência direta ao corpo do ator e a cena. Não pense que é só uma questão de roupa, os acessórios complementam o vestuário. Objetos que variam de máscaras, jóias e espadas até armas, penas ou elementos inesperados.

A escolha da peça ideal nunca é alheia. A roupa deve ser um prolongamento da encenação ou coreografia do espetáculo, tanto de forma física como emocional. E o movimento da vida ao figurino, criando uma identidade visual. No 1° dia de Cenas Curtas esse instrumento foi um ator a mais em palco. “O Amor está na moda”, por exemplo, usa um pano com as mesmas cores que os personagens, sempre de forma a dançar. Era a ligação entre eles, que brincavam juntos em uma conquista constante.

A segunda cena foi “Fábrica de Cimento”, que apesar de arrancar risos da platéia, trata de um tema forte. A escolha foram cores frias, dentro de um clima sempre cinza, como pedia a atuação. A 1999=10, cuidou de um elemento presente na repetitiva frase “Realmente! De terno tudo fica mais fácil”. E adivinhe o figurino ideal? Sim, os ternos viraram símbolos de uma mensagem: “a armadura do homem atual”. A última cena, “A casa do sol”, traz a loucura e a intensidade nos figurinos. Uma imagem religiosa debochada; um Deus em cena, o enfermeiro; a cor apagada no momento triste, contratando com a música alta; o vermelho vibrante de quem quer gritar; e até a ausência de figurino.

Dependendo da escolha das roupas que vão entrar em cena, pode-se acabar com uma apresentação. No teatro, cada espaço, cada item é parte essencial. É como uma trilha de dominó: derrube uma, derrube todas. O Cenas Curtas continua. Não deixe de observar os próximos espetáculos.

2010-06-17T11:44:00.000-07:00

Impressões Primeiro Dia

Por Carolina Anglada

O Amor está na moda

Com direção da já renomada Silvana Stein, O amor está na moda lida com a questão da relação amorosa como um jogo, ainda que em processo de redenção. O ator entra sozinho em cena e anda pelo palco de forma rítmica com um lenço em mãos. Ela é atraída. Azul e branco, que combina com o que veste o homem e o que veste a mulher. A idéia é de que se deve dançar conforme a música. Elementos surgem e desaparecem. Tanto no emblema do amor quanto no da moda. Com todas as interferências e discrepâncias entre o momento de um e de outro, o ritmo acaba em sintonia para o casal. É o mediador, quem dita as regras, quem? Quando a música cessa, a mulher desfalece. Para tentar reanimá-la, ele se propõe fazer a música. Aí é que se dá o encontro. Sem a referência, é preciso criar, cada um a seu modo a essência. Quem sobrevive visualmente é o homem. Foi ele quem se reinventou e o violoncelo dá o lirismo. Só algumas palavras da música francesa são compreensíveis para os leigos. O público aplaude num mesmo tom, rindo sem entender bem porquê. É a primeira cena, os times estão em campo e à torcida só resta a dúvida: quem vai ganhar, ganhou?

Fábrica de Cimento
Um homem e uma mulher de novo estão no palco. Movimentos simétricos e correspondentes os configura como casal, além de tudo. Eles se atraem, o encaixe é irracional, mas dá forma. De uma maneira impensável eles se completam, quebrando os paradigmas funcionais. Os estereótipos às vezes deixam o homem na mão. E na boca, um gemido. Ele é prolixo. A mulher é a legenda de tudo que ele, num espasmo verborrágico, cospe. "Não consigo não pensar". Ela suporta. Ele também. A chupeta é o cigarro do homem adulto. Ela é sua mãe e sua filha. Na alusão ao ato sexual, dá-se vazão à culpa. "Eu não tenho pen drive, meus pais não estão ao
meu alcance, eu não sou ninguém". Nesse caos, ele "mete o pau pelas mãos". Gerar um filho? "Eu não tenho amor suficiente". O diretor da fábrica, representado sem máscaras por uma mulher, é também diretor do espetáculo. "Refaça a cena, você está muito masculino". Quando vai à luta, o homem é vestido pela mulher. A carapuça precisa estar em pé. Nessa hora, homem é homem e não adianta choramingar. Botão vermelho, botão azul, botão vermelho, botão vermelho, botão azul. A mulher se mantém como legenda. Ela permanece em seu canto, mas suportando, posicionando-se indubitavelmente como outra metade. Ela continua com a cor da pele, nua, podendo se refazer na sua multiplicidade de funções. O homem que se perde, no início é macho, depois chorão,
ao final, acaba por se resignar ao modelo padrão de homem provedor (que esperneia, mas está lá). A peça acaba com o clichê: ele dá um tapa nela. É o resultado do descontrole da repetição em massa. O público vocifera, parece que é gol!

1999=10
Num escritório, a cadeira é não é lugar cômodo, mas o fardo. Os cinco atores entram carregando cada um a sua, que se distinguem totalmente. Nos primeiros momentos, a cadeira parece ser tudo aquilo que cada um é. Os atores são tampados por elas e ao mesmo tempo, se constituem através. Como se o homem fosse metade homem metade posição. Os olhos abaixam-se, humildemente resignam-se. Pés descalços no chão.

O espetáculo cresce. O burburinho burguês escritorial pega fogo. Fala-se sobre carne de panela e batata, vomita-se, o papo continua ensurdecedor, dançar, comenta-se sobre o próprio escritório, sexo!"De terno, tudo fica mais fácil". Falar, criticar, trabalhar, repetir. “É uma desgraça mas é assim”. De terno o homem vai casar, vai ao enterro, vai trabalhar. De terno o homem vai à missa. De terno a armadura está a postos. Ninguém sabe quem eu sou, embaralhado.

O ápice da cena se dá brilhantemente. O riso enlouquece e dá nos nervos dos cinco atores. Depois, volta-se à normalidade. Estão todos satisfeitos. “Economicamente satisfeitos”, um entoa. “Geograficamente satisfeitos”, o outro comenta. “Eticamente satisfeitos”, fumando, outra voz diz. “Teatralmente satisfeitos”, ele ri. Cada um dos cinco joga suas satisfações ao mesmo tempo, e mal se ouve cada um. O improviso é evidente e necessário. Muito bem sucedidos. “Histericamente satisfeitos”, um afirma, e concordo.

Fica apenas o peso forte do charuto. E a rixa, ninguém ganhou.

A Casa de Sol

"Poetas e latino americanos existem para serem saqueados". Mas os loucos, os bêbados, os prostituídos, todos os agredidos e os que se sentem livres para fracassar, merecem seu lugar às pétalas das flores que caem dos céus. Que venham todos e se juntem aos pés de Hilda Hilst. Fora dela, não há salvação. A mulher já foi crucificada e hoje só resta a escritura. A vela se apaga, e a voz que permanece é de ironia. “Eu não sei pra quê inventam Deus ou Deuses, se eles são sempre ameaçadores”.

A cena é embolada como Hilda. Parece que tudo respira intenso e precisa se desdobrar, as sombras se multiplicam, e as vozes, e as referências, e a música, e. Hilst nunca coube num discurso cronológico e formal. Foi assim que sempre se posicionou diante da vida. Em suas palavras, “...e o que foi a vida? Uma aventura obscena, de tão lúcida”. Não resta senão às interpretações, a sensação de loucura diante de seu código cifrado. Por se permitir sentir o desejo, a liberdade, que não tem prazo nem metodologia. Reza-se com o vinho, confessando todos os vossos prazeres, por que não?

Com um texto altamente fiel aos escritos de Hilda, esquizofrênico e forte, despudorado e libertador, a cena da Asterisco Cia de Teatro tem como título a referência ao lugar em que a autora morou 38 anos e que conviveu com amigos, artistas, pintores, músicos, acolheu pessoas e animais. Onde ela pôde se entregar, dar seus gritos, enroscar-se no desejo e fazer de suas tão bem escolhidas palavras, um retrato tão intrínseco e desafiador1 da condição humana.

2010-06-17T11:27:00.001-07:00

Pequenas por opção

Por Stéphanie Bollmann e Taís Ahouagi

A 11ª edição do Cenas Curtas está aí e, para os pouco familiarizados com o festival —e talvez até para quem já o acompanha—, pode surgir uma dúvida: por que curtas? Afinal, qual a vantagem de impor o limite de 15 minutos por cena em vez de realizar peças longas, com uma, duas horas de duração?

O coordenador geral do Galpão Cine Horto, Leonardo Lessa, explica que a opção tem a ver com o objetivo do festival. “As criações apresentadas têm caráter experimental, de inovação de linguagem, feitas por artistas tentando vivenciar um novo caminho ou proposta. É aí que o tempo reduzido ajuda”. Outra vantagem apontada é que o formato do festival cria a possibilidade de reunir uma grande diversidade de linguagens em curto espaço de tempo. Tanto em relação às cenas, quanto à duração do próprio festival, que é de cinco dias.

Para quem pensa que a peça reduzida é mais fácil, uma surpresa. As atrizes Camila Jorge, Karina Pereira e Patrícia Ramos, que vão apresentar a cena “Eu tu elas”, afirmam que o principal desafio é justamente a restrição do tempo. “No início, a gente estava preocupada em não preencher os 15 minutos, mas, quando começou a criar, a gente passou a se preocupar em como conseguiria fazer uma cena em menos de 15 minutos”, conta Karina, que também é a diretora.

A preparação da cena curta exige trabalho tão árduo ou até mais do que o de um espetáculo de longa duração. Além de ter o mesmo preparo e comprometimento, requer grande poder de síntese. Aqueles poucos minutos precisam conter início, meio e fim; a cena tem que ser, por si só, um espetáculo. Para Leonardo, a principal diferença está na dramaturgia da peça, “no encadeamento das ações dramatúrgicas que vão gerar o resultado final. Eu vejo que é mesmo um desafio de síntese para quem está compondo o trabalho”, diz.

As meninas do “Eu tu elas”, que são de Curitiba, vão apresentar uma cena de palhaço, e Camila, que também é a produtora, explica que essa é uma dificuldade a mais, já que o palhaço é uma personagem tipicamente interativa: “o palhaço sempre vai pelo caminho mais longo. A gente até tentou fazer a cena ainda mais curta para o caso do palhaço resolver dar uma volta”.

Outra preocupação no Festival de Cenas Curtas é que o espectador tenha um tempo de se recuperar de uma cena para partir para outra. Como o tempo entre elas é muito reduzido, a organização do festival cria alguns artifícios para relaxar a platéia, como a música e a venda de bebidas no intervalo, que ajudam a preparar o público para a próxima cena.

2010-06-17T11:20:00.000-07:00

Ensaio sobre adaptação cênica de obras literárias

Por Carolina Anglada

O teatro consiste de diversos elementos e um deles é o texto. Mas o texto não faz o teatro. O texto precisa ser teatralizado. Em forma de texto, é uma idéia. Ao ser tomado como base, precisa subir nos palcos, justamente com aquilo que lhe é único, vestir a roupa, arregaçar as mangas, construir o cenário e se portar como parte do todo.

Partir de um texto narrativo-literário à construção de um espetáculo cênico não é simplesmente deduzir que o processo se deve unicamente a transpor as linguagens e acrescentar aquilo que falta ao texto. Primeiramente, é preciso retirar todos os elementos que sobram na obra, isto é, aqueles elementos do texto ou da própria caracterização da narrativa como estrutura, que não pertencem ao teatro. Depois, é necessário que se comprima. Ou seja, toda a história que em um livro ocupa 200 páginas, deve-se pensar naquilo que a constrói, de forma condensada. O que acontece, geralmente, é que nesse processo de priorização do que é essencial na obra, muitos dramaturgos ou adaptadores acabam descobrindo aquilo que será focado no seu espetáculo. Isto é, no momento em que se pára e pensa o que é o cerne da obra que será dramatizada, acaba-se aproximando de algum personagem que no texto literário não tem muita importância ou em uma situação narrada, por exemplo. Isso é recorrente, mas vai de dramaturgo para dramaturgo. Ao final, é possível definir a necessidade de um processo de associação, o quê no texto é o sentido, e como ele será distribuído em cenário, personagem, diálogo, situação dramatizada. Independente do enfoque que o adaptador quiser dar, a idéia original da obra deve estar, de alguma forma, destrinchada nos elementos que compõe o espetáculo.

Em alguns casos, o objetivo desde o início da preparação para montar um espetáculo que tenha uma obra literária como base, é realizar uma transposição literal e fidedigna do texto para o palco. Se esta intenção provém de um respeito e admiração ao autor e à obra, é louvável que esta intenção se mantenha na hora da montagem. Entretanto, o que é próprio ao texto literário-narrativo, por mais completo que seja não preenche todas as lacunas da composição cênica. O que acaba por acontecer, de fato, é que a "voz autoral narradora" se mantém na voz dos personagens e nos outros elementos da montagem. É impraticável pensar numa "transcrição teatral", no termo de Haroldo de Campos, em que não haja, como ele mesmo afirma, uma recriação do texto para os moldes do teatro. Assim, é produtivo tomar essa tentativa como um resultado híbrido das duas vertentes, levando em conta o que as duas têm de mais significativo.

Quando se assiste a alguma peça em que todas essas questões foram levadas em consideração, podemos pensar que a situação contemporânea dos diálogos possibilitados entre as vertentes artísticas é positiva e deve ser otimizada. Podemos estar frente a frente com a obra literária ficcional se enriquecendo com recursos mais livres e múltiplos do teatro e da encenação. E não é só a obra que ganha em termos de dimensão, mas o próprio público, que ao se propor assistir uma peça em vez de ler a obra, muitas vezes, se sentirá incluído num mundo ficcional de uma forma mais natural e que lhe convém.

2010-06-17T10:10:00.001-07:00

Sem palhaçada

Por João Santos

“Quero antes o lirismo dos loucos
O lirismo dos bêbados
O lirismo difícil e pungente dos bêbedos
O lirismo dos clowns de Shakespeare

- Não quero mais saber do lirismo que não é libertação.”

Poética – Manuel Bandeira

Ingênuo, grotesco, louco, infantil. A figura do palhaço carrega em si uma diversidade de características que vão muito além dos sapatos compridos e do nariz vermelho. Efetivamente o personagem surgiu na baixa comédia grega e romana, atravessou os séculos e se reforçou na commedia dell'arte. Sem dúvida, porém, desde o início das civilizações o homem precisa de espaços para fugir do comum, do ordinário, do bom senso...enfim, do civilizado. “O palhaço, age na desconstrução do pensamento, no erro como acerto e principalmente na verdade, na sua verdade”, assim pensam Karla Concá e Vera Ribeiro, do grupo As Marias da Graça. O coletivo carioca desembarca no Cine Horto na próxima sexta-feira 18 para apresentar sua cena Duas Palhaças e Um Pequeno Príncipe.

Além delas pelo menos mais duas cenas no festival utilizarão do clownesco: Eu tu elas, dirigido pela catarinense Karina Pereira e 1999=10 de Dudude Herrmann. Bailarina, coreógrafa, diretora, improvisadora e veterana no festival, Dudude garante: “todo improvisador tem seu clown introjetado em seu ser”. Sobre sua cena, que participou da mostra Cena Espetáculo no primeiro dia do festival, explica que não faz palhaçada: “(a cena) tem como linha de fuga um ar clownesco, zombeteiro, irônico, rir do seu próprio ridículo, nesta cena as coisas são realmente sérias, mas discutimos e conversamos sobre o nada e completamente crentes que somos alguma coisa”.

Talvez esta capacidade do palhaço em provocar o espectador a rir de si mesmo seja a explicação para sua longevidade...Motivos para rir não faltam e, depois de muitos carnavais, os palhaços não poderiam estar ausentes no 11º Festival Cenas Curtas.

1999=10 | Belo Horizonte/MG

Parte da mostra do Cena-Espetáculo – Quarta (16), 21h

Ingressos: R$20 (inteira) | R$10 (meia)

Eu tu elas | Curitiba/PR

Parte da programação do Cenas-Curtas – Quinta (17), 21h

Ingressos: R$20 (inteira) | R$10 (meia)

Duas Palhaças e Um Pequeno Príncipe | Rio de Janeiro/RJ

Parte da programação do Cenas-Curtas – Sexta (18), 21h

Ingressos: R$20 (inteira) | R$10 (meia)

Bem-vindos ao 11º Festival de Cenas Curtas!

2010-05-11T13:43:00.000-07:00

O Galpão Cine Horto dá as boas vindas aos novos participantes do Núcleo de Pesquisa em Jornalismo Cultural 2010!

O Blog do Cenas Curtas é um espaço aberto para o debate e a troca antes, durante e depois do Festival. Aproveite esse espaço para exercitar o jornalismo cultural em suas diversas formas! E não se esqueça de participar também dos debates no Twitter e Facebook!

Confira a seção "Cenas Curtas 2009", com o material que foi produzido pelos participantes do Núcleo de Pesquisa em Jornalismo Cultural no ano passado.

Bom Cenas Curtas a todos! O Festival começa aqui!

O Intercâmbio Cultural e o Teatro da Região Norte

2009-06-27T12:01:00.000-07:00

Por Dani Senra

A apresentação da peça “Boxe com Palhaçada” foi resultado de um intercâmbio entre dois festivais com a mesma proposta e linguagem: Breves Cenas (AM) e Cenas Curtas (MG). Ainda em sua primeira edição, o Festival Breves Cenas conquistou o público amazonense. A iniciativa de criar um festival desse formato no Amazonas, foi da Companhia Cacos de Teatro em conjunto com a Cia. Artbrasil.
Com apenas dois anos de existência o grupo criou um festival capaz de lotar as salas de teatro, oferecer oficinas e fechar boas parcerias. O 1º Festival Breves Cenas aconteceu entre os dias 10 e 15 de março e contou com jurados de outros estados como Fernando Mencarelli. A idéia é que o festival ganhe proporção nacional e que haja sempre o intercâmbio entre os festivais de outras partes do Brasil.

Em entrevista ao Blog Cenas Curtas, Taciano Soares e Dyego Monnzaho contaram como tudo aconteceu.

Como surgiu a idéia de realizar o Festival Breves cenas?

A idéia de fazer um festival desse formato, lá na região Norte, é uma idéia que já existia antes mesmo da formação da Cia. Cacos de Teatro. Sempre conversamos muito sobre projetos e numa dessas conversas o Márcio, um dos coordenadores, falou dessa idéia de formar um festival que tivesse formato de sketch. Achamos muito interessante e os três integrantes da companhia Cacos, Márcio, Dyego e eu criamos a estrutura do projeto: Como aconteceria, perspectivas, alcance de público, a forma de como ele alcançaria artisticamente a cidade de Manaus e a região norte, que nunca havia recebido um festival desse formato, e como ele irá se projetar nos próximos anos. Então toda a concepção se dirigiu pela idéia do Marcos com estruturação da Companhia Cacos.

Foi uma parceria da Cia. cacos e Artbrasil. Como aconteceu essa parceria?

A Caixa Econômica tem um incentivo específico para festivais de teatro e dança. E a nossa companhia, apesar de ter muitas idéias e muita vontade de fazer diversas coisas, é muito nova no cenário. A Companhia Cacos tem somente dois anos e achamos que seria pouco para tentar um incentivo que é aberto nacionalmente. A companhia Artbrasil tem uma idéia de teatro parecida com a da Cia. Cacos, e deslumbramos a idéia de fazer uma parceria. A atriz e diretora Ana Claúdia Mota é, além de tudo, nossa amiga, então não tinha porque não acontecer essa parceria. Então fizemos a proposta, ela achou maravilhoso e acabou se tornando apresentadora oficial do Festival Breves Cenas. E aí sim, a Companhia Cacos e a Artbrasil juntas, desenvolveram o projeto, apresentamos a proposta para a Caixa Econômica e graças a Deus deu tudo certo.

Houve inscrição e participação de companhias de outras localidades?

Sim. O festival, a princípio, foi projetado para atender a região norte apenas. E aconteceu um fato muito curioso, no qual não esperávamos, houve interesse de grupos de outros cinco estados além da região Norte, inclusive Minas Gerais. Mas infelizmente não teve como abrir nacionalmente porque o projeto já tinha sido aprovado naquele formato. Mas a partir do ano que vem, poderemos atender todo o país.

Além das cenas houve oficinas. Elas foram abertas ao público?

Primeiramente nos queríamos que somente as pessoas que tivessem participando das cenas integrassem a oficina. Mas depois o espaço foi aberto ao público, então foi uma mescla de atores participantes das cenas e espectadores. O único pré-requisito foi que a pessoa tivesse um conhecimento mínimo de teatro para que, a oficina não tivesse um caráter tão básico já que era de curta duração, somente quatro dias.

Aconteceu alguma parceria com o governo e/ou prefeitura?

Sim, tanto a prefeitura quanto o governo. A prefeitura estava se reestruturando porque teve uma mudança do prefeito agora e a secretaria estava em transição. Então estava um pouco complicado, mas mesmo assim, quem viabilizou as passagens para virmos pra cá foi a Fundação Municipal de Cultura. E o espaço onde aconteceu o festival foi concedido pelo governo do estado que é quem gerencia a maioria dos teatros. E, juntamente com o espaço, todo a logística foi cedida através dessa parceria: estrutura, técnicos, funcionários e tudo mais. O SESC é um grande apoiador da Companhia Cacos e consequentemente foi também do Festival Breves Cenas. Cederam o espaço para os debates, oficinas e forneceu material impresso.

Como que funcionou essa parceria de vocês virem ao cenas curtas?

Foi através do Fernando Mencarelli. Ele é muito bem quisto lá e tivemos a oportunidade dele ser um dos jurados do festival. Ele lançou essa idéia, que nos já tínhamos, mas não chegamos ao ponto propô-la. Então ele deu a idéia e ai já calhou. Acho que ele ligou diretamente para o Chico Pelúcio e perguntou o que ele achava da parceria. Explicou do Breves Cenas ser muito parecido com o Cenas Curtas e que era premiativa e etc. Ai ele falou: Oh eu acho excelente a idéia, se você está falando que os meninos são bacanas e que o festival é bom, então... E aí foi perfeito. Então ficou nesse sentido, na premiação divulgamos essa surpresa, e a partir daí o pessoal da produção entrou em contato com o Galpão Cine Horto, pra gente estruturar essa parceria. E a idéia é que haja um intercâmbio, daqui pra lá, de lá pra cá. Acho bacanérrimo proporcionar essa troca dentro do Brasil que é um país tão diversificado.

O Teatro do Amazonas é o maior símbolo cultural do Estado. Mas poucas pessoas freqüentam o lugar. É verdade? Porque você acha que isso acontece? Existem projetos que viabilizam a ida das pessoas ao teatro?

É verdade. A gente tem uma dificuldade de acesso do público ao teatro e vice versa. Existem inúmeros fatores como em todo Brasil. E o que deve ser? É o gênero? A localização? O valor? É o que? A idéia? A divulgação?Não sei...
Eu acredito sim que tem espetáculo de qualidade lá, bem bacana. A gente ta viajando por outros estados e estamos vendo que realmente dá pra equiparar alguns trabalhos a título de qualidade. Há um problema de divulgação muito grande, muita gente reclama que não sabe o que ta acontecendo. Como eu te falei, a maioria dos teatros são gerenciados pelo governo do estado e ele não cuida muito bem da parte de divulgação. Não ocupa os espaços, tem muitos espaços de teatros vazios que não são abertos a temporadas e a justificativa é a falta de recurso. E quando há ocupação desses espaços pelas companhias, existe uma divulgação mínima, então é muito difícil. Mas mesmo assim a cultura de ir ao teatro não é desenvolvida em Manaus.
No Festival Breves Cenas, a gente conhecendo essa realidade, massificamos muito a divulgação e tivemos um resultado muito interessante. Porque o teatro que tem 130 lugares, em quase todos os dias do festival, chegava a uma lotação de 220 lugares, então ficou hiper lotado. Isso foi uma alegria pra gente. A gente sabe que, lógico, além do formato novo teve o fator de divulgação que foi muito importante, agente realmente massificou, eu acho que isso também ajuda. Tem muita gente que quer ir ao teatro e tudo mais.

Dyego

Eu acho que é isso. Você perguntou de projetos que viabilizam o acesso das pessoas ao teatro.
São pouquíssimos projetos, mas existem. Como é o exemplo do Projeto “No Palco” que leva para o Teatro do Amazonas, espetáculos de música na segunda feira, de teatro na terça e de dança na quarta. O acesso é gratuito, as pessoas até vão, mas a divulgação é ruim porque nem todo mundo sabe, quando que começa, porque é um projeto que não tem um período, as vezes tem em junho, as vezes é só em setembro. Então como você não constrói uma data e um histórico as pessoas ficam sem saber o que e quando está rolando.

Além desse festival que é novo. Quais outros eventos que prestigiam o teatro na região norte?

No amazonas tem o festival de Teatro da Amazônia que vai um pouco além da região norte, porque a Amazônia pega mais dois estados, um do nordeste e um do centro oeste, Mato Grosso e Maranhão. Tem festival de teatro no Pará e no Amapá, que são locais. Tem dois festivais no Acre, um estadual em agosto e o outro é nacional em janeiro. Não tenho conhecimento sobre festival de teatro no Tocantins, e Roraima acredito que não tenha. Mas Rondônia tem muitos festivais e mostras, e tem o maior Festival de Teatro de Rua da região. Que foi idéia de uma companhia chamada O Imaginário, que já está na sua terceira edição também patrocinado pela Caixa.

Quais são as expectativas para o 2º ano do Festival Breves Cenas?

As expectativas são enormes, porque graças a Deus o primeiro deu muito certo. E o segundo nós teremos o desafio de trabalhar com estrutura nacional. A idéia é manter, um sabor caseiro. Pois tem premiação, mas não tem rixa, disputa e nem energia ruim, então ocorreu tudo muito bem. O interessante é que foi uma observação feita tanto por jurados quanto pelos participantes. Então queremos aumentar o festival mantendo isso, esse gosto de uma coisa saudável e harmoniosa, dentro do possível é claro. E óbvio, aumentar a qualidade e o público principalmente. Foi uma iniciativa que deu certo então a gente precisa aproveitar esse gancho e ir para um espaço maior. Criar algo que seja novo, mas que não perca as pessoas que participaram da primeira edição e que alcance muito mais pessoas. Quem sabe nos nossos 10 anos, igual ao Festival Cenas Curtas, tenhamos um público imenso, já que na primeira edição conseguimos um número bem significante.
Tudo será ampliado, a quantidade de cenas, que foram dez, provavelmente aumentarão também. A oficina foi em dois módulos, corpo e interpretação. Então pretendemos aumentar o número, a qualidade e o estilo das oficinas. Não Trazer coisas tão simples que se encontra em qualquer lugar. Trazer coisas novas, que agreguem valor e conhecimento nas pessoas. Trabalhar também a questão do debate que foi um desfalque, lotavam o teatro à noite, mas no dia seguinte pouquíssimas pessoas iam, tem poucas pessoas interessadas em discutir teatro. É uma realidade, mas a gente quer estimular, criar algum mecanismo que estimule as pessoas a irem aos debates. Porque é interessante e importante, das pessoas ouvirem e opinar de maneira construtiva. A gente precisa ter essas coisas. Então é crescer com qualidade e não perder essa coisa do caseiro, do é nosso, não é meu e não é seu, é nosso.

Querem fazer mais alguma observação, falar alguma coisa?

A gente, quando veio a primeira vez para o sudeste com a Cia. Cacos, ouvia muito assim: como que funciona lá? Porque há um desconhecimento mútuo de como as coisas funcionam. E é legal porque a gente aos pouquinhos vai quebrando essas barreiras. A gente vê que é igual, os mesmos problemas, as mesmas dificuldades, mesmo num estado que tem lei de incentivo. No norte não existe lei de incentivo estadual nem municipal, só Rouanet e mesmo assim você sabe que, grande parte é para a região sudeste.
Mas mesmo assim a gente está encontrando, com muita dificuldade, espaços com patrocinadores como a Petrobrás, Caixa Econômica, Correios e o Sesc que é um grande fomentador de cultura no país.

Temos que reclamar menos e buscar formas paralelas de crescer, é lógico, sempre esperando que mais oportunidades apareçam e que mais possibilidades aconteçam pra que a gente possa trocar. Não só fazer na nossa cidade, mas sim trocar, é importante tanto pro conhecimento pessoal, mas também para o conhecimento de causa. O país saber o que se faz no país e colaborar. Enfim, foi excelente levar jurados de outros estados pra Manaus, já rendeu uma outra parceria que talvez no final já encontre uma outra coisa e assim vai caminhando e criando uma rede, fortalecendo o teatro no Brasil.

Notas sobre algumas das cenas mais votadas

2009-06-27T11:58:00.000-07:00

Por Luiz Navarro

Na porta de entrada, rapazes com sacolas de plástico na mão distribuíam tomates maduros, bem maduros, a quem entrava para assistir o primeiro dia de apresentações das Cenas Curtas mais votadas durante o festival do Galpão Cine Horto, em sua décima edição. Algumas pessoas não entendiam, outras trocavam idéias e opiniões sobre a controversa cena do coletivo Conjunto Vazio, que levantou polêmicas na sala de espetáculo e inclusive neste blog. Antes do início das apresentações, uma observação importante para algum espectador desprevenido: os tomates foram distribuídos para serem utilizados na última cena e apenas na última cena.

Cheiro de incenso, tambores e flauta ambientam a platéia em uma das experiências mais excêntricas da vida do poeta Mário de Andrade: a cerimônia catimbó de fechamento de corpo. A cena é “Corpo Fechado”, dirigido por Ricardo Gomes. Os atores Alexander de Moraes e Priscilla Duarte revezam a interpretação dos vários personagens que participaram do episódio - incluindo o próprio Mário de Andrade - de forma muito dinâmica e bem-humorada. Feita a partir do relato do poeta, a montagem é bem construída, apesar de alguns elementos poderem ter sido mais bem explorados, como a presença de um homem de dread-locks vestido de mulher e tocando tambores - algo completamente inusitado.

De repente, as luzes se acendem e cinco cabeças cantam enlouquecidamente. Perguntam-se, afinal, onde estará Nick Van Drick? Assim começa a cena “5 Cabeças a Espera de Um Trem”, com direção de Byron O’Neill e Alexandre Cioletti. O ritmo acelerado do texto (divertidíssimo, ainda que propositalmente confuso) prende completamente a atenção do espectador. Como a única parte do corpo dos atores à mostra era justamente a cabeça, a expressão facial e a maquiagem ajudam muito a conquistar o público, além, é claro, das interpretações individuais, explorando muito bem os trejeitos particulares de cada ator. Inspirada no teatro do absurdo, a cena demonstra ter sido construída com bastante maturidade e merecidamente foi uma das mais votadas no festival.

Uma das cenas mais admiráveis do festival, “Dia de Prova”, da Companhia do Ator Cômico, de Curitiba, dirigida por Mauro Zanatta, surpreende o público com seus personagens infantis vestindo máscaras de crianças em uniforme de escola e professor. A primeira impressão ao encarar os personagens da cena é de não estar assistindo a uma cena de teatro, pois as máscaras transportam o espectador a outro lugar, talvez para dentro de uma tela gigante de TV, com a sensação de não estarem ali atores humanos, e sim personagens de desenho animado. E as máscaras não têm bocas, pois a cena não tem falas. Toda a dramaticidade é expressa pelo corpo e pelos gestos que tocam pela sutileza. Uma cena tão bem elaborada que foi apresentada ao público adulto, mas também poderia perfeitamente ser apresentada ao público infantil, que ficaria encantado com sua delicadeza, algo tão diferente daquilo a que está costumado: a televisão.

O improviso, a criatividade e o bom humor são as matérias primas dos palhaços baianos Danillo Novais e Yoshi Aguiar em sua crítica bem-humorada à banalidade da violência em “O Sequestro...”. Sua simplicidade e carisma arrancaram risadas, às vezes até nervosas, da platéia. As referências a outras cenas apresentadas no festival e a grande capacidade de improvisar até nos momentos de erro são as grandes sacadas da dupla.

A cena "Eu Me Vendo por Muito Menos do que Você Paga”, do Conjunto Vazio, terminou o dia de apresentações em uma espécie de anticlímax, com sua provocação esvaziada, talvez pela repetição da cena que já não trás tanta surpresa, já não pode comprar votos e nem sempre provoca questionamentos entre o público. Resta somente o prazer em arremessar tomates em alguém sentado esperando levar tomates na cara.

Confidência de um jornalista cultural que não vai ao teatro

2009-06-27T11:57:00.000-07:00

Por Breno Procópio

Eu quase não vou ao teatro. Nos últimos quatro anos, posso dizer que assisti a uns sete ou oito espetáculos teatrais. O que não representa nada perto do número de filmes que vi, livros que li sobre os mais diversos assuntos e discos que fui catalogando e escutando com puro deleite. Escrever sobre cultura tem a ver, é claro, com gosto; mas, como manda a cartilha de todo bom jornalista cultural, pesquisar, estar aberto a todas as possibilidades artísticas, conhecer as técnicas e, principalmente, estar sempre na rua, espaço por excelência da vida e, em decorrência, da arte, é regra, que deve ser seguida.

No entanto, nada é tão ideal assim; e por um motivo ou outro, eu não ia ao teatro. Mas, eis que surgiu o Núcleo de Jornalismo Cultural do Galpão Cine Horto, uma proposta inovadora, como tantas do grupo Galpão: alunos de comunicação, jornalistas, profissionais das Ciências Sociais, Letras, Belas Artes, Filosofia, gente das mais variadas formações se encontravam todas as quintas-feiras para conhecer um pouco das teorias e técnicas da cobertura jornalística de cultura.

A última etapa do curso dizia respeito à parte prática: tratava-se da cobertura do Festival de Cenas Curtas, com produção de reportagens, entrevistas e críticas teatrais. Para mim, era a certeza de uma maratona de cenas; e, obviamente, um misto de apreensão e euforia quanto à qualidade delas. Tinha a certeza que iria ver bons trabalhos. A questão era o número de cenas ruins que estava pela frente.

Mas, para minha surpresa, logo na abertura do festival uma canção dramática de Bethânia e Cafusca chorando em profusão de lágrimas porque seu marido-palhaço havia lhe deixado. Era o “Boxe com Palhaçada”, que ganhara como a melhor cena do Festival Breves Cenas, de Manaus, e estava participando como convidado em Belo Horizonte. O público não parou de rir...

Por falar nisso, a última participação do Cenas Curtas 2009, “O Seqüestro”, de Salvador também homenageava a profissão do clown. Uma dupla de palhaços seqüestrava um bebê e se metia em inúmeras trapalhadas. Para nós, o público, um sentimento de alma lavada e a lembrança de Carlitos.

Outra surpresa foi “Dia de Prova”, de Curitiba, que usando a técnica da máscara neutra apresentou uma cena perfeita, lírica e cheia de expressividade, presente em cada movimento mínimo dos corpos. Vi ainda a cena “A Mudança”, do Cia. do Chá, um diálogo com o romance “Metamorfose”, de Franz Kafka. Na cena em ritmo de “thriller”, Gregor acorda absurdamente mudado. Mas ao contrário dos silêncios e desprezo velado da família Samsa (obra literária), surge a ironia e o deboche - com pai, mãe e irmã jogando bolinhas de naftalina para o personagem transformado em inseto.

Vendo aquelas várias cenas, senti um misto de prazer, desgosto, incômodo, tédio, incompreensão, êxtase, riso e alívio. Me surpreendi. Ri diante do improvável improviso.

Por tudo isso, talvez me pareça que o TEATRO SEJA A ARTE DO FUTURO. Mais do que as outras artes e contrariando a voz de alguns críticos que afirmam que esse mesmo teatro caiu no ostracismo, digo que, talvez, o TEATRO SEJA A ARTE MAIS NECESSÁRIA.

Neste nosso tempo de máquinas, comunicações, celulares, TVs, sites, chats, blogs, vlogs, redes, relacionamentos online, pulverização da imagem e do virtual, isso sem falar do capitalismo e individualismo exacerbados. Tempo em que as distâncias acabaram, mas prevalece o preconceito, a dificuldade de lidar com o diferente, com o Humano, tempo da não tolerância e da não-palavra. A arte teatral tem papel fundamental.

Isso porque o teatro não é nada sem o público. O teatro não é nada sem o humano. Todo espetáculo é uma doação; o ator está doando a arte que produziu e, ao mesmo tempo, doando seu corpo, seu sangue. O teatro e também a arte do presente. Cada espetáculo se transforma no momento em que é apresentado, depende do acaso, da energia entre o público e o ator; é, portanto, único. Essa urgência traz um poder muito grande para o teatro, é como se se colocasse um espelho no palco e o público se visse por inteiro.

Desse modo, mesmo naquelas cenas que não gostei vi a doação e a generosidade do ator, e não pude deixar de sentir respeito por quem estava ali, no palco do Cine Horto.

Ao Cenas Curtas mais 100 anos de vida, pela experimentação, pela possibilidade do diálogo entre o novo e o velho, pela maturidade do grupo Galpão em forjar os moldes de um festival que tem tudo para apontar os rumos de novos tempos. Meus parabéns!

Cinco cenas na Temporada das Mais Votadas

2009-06-23T14:12:00.000-07:00

Fotos: Guto Muniz e Ronaldo Janotti

O Galpão Cine Horto divulgou neste domingo, durante uma grande Festa de Aniversário, as cinco cenas mais votadas do 10º Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto. As belo-horizontinas 5 cabeças à espera de um trem, Corpo fechado e Eu me vendo por muito menos do que você paga se juntam à Dia de prova (Curitiba/PR) e O seqüestro... (Salvador/BA) para uma curta temporada no Galpão Cine Horto, entre os dias 25 e 28 de junho. Essa será a última oportunidade para o público de BH conferir as cenas que mais se destacaram na décima edição do Festival.

Seguindo o edital da 10º edição do Festival, das 16 cenas que se apresentaram ao longo do Festival quatro foram escolhidas através do voto popular, uma a cada dia, para a Temporada das Mais Votadas. Além delas, uma quinta cena, a mineira Corpo Fechado, foi eleita por uma comissão formada por Carolina Braga, Helena Mauro e Sara Rojo para a reapresentação junto às demais, no Galpão Cine Horto.

Além das cenas mais votadas, o público presente no Galpão Cine Horto no último domingo conheceu também a cena que fará parte da nova edição do projeto Cena Espetáculo. A cena belo-horizontina A mudança, criada pela Cia. do Chá, formada por alunos do CEFAR – Centro de Formação Artística do Palácio das Artes, que teve direção de Francis Severino, receberá um apoio de criação e logística do Galpão Cine Horto. O grupo terá um incentivo de R$5.000,00 e a orientação dramatúrgica, ao longo do segundo semestre de 2009, do dramaturgo Luís Alberto de Abreu. O novo espetáculo do projeto tem estreia prevista para janeiro de 2010.

A 10º edição do Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto encerrou sua primeira semana com enorme sucesso. Foram mais de 1.000 pessoas acompanhando as 17 cenas em quatro dias de apresentações, além dos debates d´O Dia Seguinte e da grande Festa de Aniversário, sob direção do Casa de Passagem, por onde circularam mais de 350 pessoas na noite de domingo. Confira abaixo o resultado oficial do 10º Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto.

RESULTADO 10º FESTIVAL DE CENAS CURTAS

Quinta-feira – 18/06/2009

5 cabeças à espera de um trem – 90 votos (52,32%)

Malevolência – Alguém tem que morrer – 24 votos* (13,95%)
O caminho do cemitério – 22 votos (12,79%)
Para aqueles que lavaram as mãos – 21 votos (12,20%)

*A cena ultrapassou 2 minutos e 38 segundos do tempo máximo (15min.) e foi penalizada com a perda de 10 votos.

Votos nulos: 05 + 10 (cena Malevolência) = 15 votos (8,72%)

TOTAL DE VOTOS: 172

Sexta-feira – 19/06/2009

Eu me vendo por muito menos do que você paga – 81 votos (48,21%)

Francisca – 41 votos (24,40%)
Corpo fechado – 33 votos (19,64%)
Caixinha de lembranças – 08 votos (4,76%)

Votos nulos: 05 votos (2,97%)

TOTAL DE VOTOS: 168

Sábado – 20/06/2009

Dia de prova – 73 votos (42,94%)
A mudança – 70 votos (41,17%)

Todos os Animais são iguais, mas alguns Animais são mais iguais que outros – 16 votos (9,41%)
Primavera – 10 votos (5,88%)

Votos nulos: 01 voto (0,58%)

TOTAL DE VOTOS: 170

Domingo – 21/06/2009

O seqüestro – 74 votos (36,09%)
O beijo – 65 votos*** (26,82%)
Da solidão que há em nós – 47 votos (22,92%)
Quando a energia acaba – 17 votos** (0,97%)

**A cena ultrapassou 3 minutos e 3 segundos do tempo máximo (15min.) e foi penalizada com a perda de 15 votos.
***A cena ultrapassou 2 minutos e 52 segundos do tempo máximo (15min.) e foi penalizada com a perda de 10 votos.

Votos nulos: 02 + 15 (cena Quando a energia acaba) + 10 (cena O beijo) = 27 votos (13,17%)

TOTAL DE VOTOS: 205

Confira na coluna ao lado a programação completa da TEMPORADA DAS MAIS VOTADAS!

Linguagem não-verbal e muitas risadas são os destaques do terceiro dia do Festival de Cenas Curtas

2009-06-23T09:17:00.000-07:00

Flora Pinheiro
Larissa Souza

No terceiro dia de apresentações do 10º Festival de Cenas Curtas, uma cena se repete “Boxe com Palhaçada” e como ocorreu no primeiro dia, provoca muitas risadas na platéia. O destaque dessa cena foi a "palhaça chorona" que ao lamentar o amor perdido, arranca do público boas doses de gargalhadas. Pra completar, os expectadores são chamados para ajudar na construção de um ringue humano
e o texto ganha citações de elementos e nomes das cenas que foram apresentados nos outros dias do Festival. A técnica do improviso dominada pelos atores, extrapolou fronteiras e conquistou o público mineiro, enfim se tornou mais uma ação bem sucedida do Festival de Cenas Curtas.
A cena seguinte foi “Todos os Animais São Iguais, mas Alguns Animais São Mais Iguais que Outros”, com um clima tenso revelado através da trilha sonora e das expressões faciais dos atores. A cena dirigida pelo diretor Luiz Carlos Garrocho, pode não ter sido a que mais agradou o público, mas, em compensação, foi a que mais se arriscou. Através de elementos do teatro físico e imagens visuais, o trio de atores mostra o que haviam se comprometido a fazer, substituem a linguagem verbal e abrem a discussão de suas incertezas e medos.
As palavras também foram dispensadas pelos curitibanos da Companhia do Ator Cômico, com a cena “Dia de prova”, onde o bom e o mau na escola, foram apresentados através de máscaras, expressões gestuais e muito bom humor. Sem a linguagem verbal e facial, o entendimento fica por conta da interpretação das bem trabalhadas expressões corporais e da divertida trilha sonora, que dão o tom da apresentação. A máscara teatral é uma das bases de pesquisa da Companhia, que ao explorar mais da capacidade de interpretação de seus atores, conquista a platéia também pela criatividade. A cena, foi uma das mais aplaudidas pelo público que ,sem dúvida, se identificou com a história.
A quarta cena da noite foi “A Mudança”, produzida pelos jovens atores da Cia. do Chá, que participa pela primeira vez do Festival. O grupo formado por estudantes do curso de teatro do Palácio das Artes, revelou-se maduro e presenteou os espectadores com um texto inteligente, inspirado livremente na obra “A Metamorfose”, de Franz Kafka. A boa interpretação dos atores conseguiu se destacar da trilha sonora, que apesar de boa, estava muito alta, dificultando, em alguns momentos, o entendimento das falas. O resultado pode ser resumido nos calorosos aplausos no fim da apresentação, um sucesso.
Para fechar a noite de sábado, os mineiros de Ipatinga trouxeram para o palco a cena “Primavera”. No meio da movimentação de uma feira livre, três personagens vivem situações que os remetem às lembranças do passado. Várias primaveras são colocadas em cena, como em um flash back e suas memórias são discutidas em cima de um tapete vermelho. A técnica utilizada foi criada pelo britânico Peter Brook, carpet show, onde qualquer espaço pode virar um palco. Sem cenário, a atenção se remete exclusivamente ao texto e a interpretação dos atores, que conseguem fazer uma boa apresentação, porém sem muitas chances na disputa de melhor cena.

Leia também a cobertura dos ensaios das cenas “Todos os Animais São Iguais, mas Alguns Animais São Mais Iguais que Outros” e “A Mudança” - A Arte dos Bastidores, na seção O Que Vem Por Aí...

Últimas do Festival!

2009-06-23T09:01:00.000-07:00

por Sandro Henrique

“Quando Gregor Samsa despertou uma manhã na sua cama de sonhos inquietos, viu-se metamorfoseado num monstruoso inseto.” - dados o personagem, o tempo, espaço e o fato em curta frase, lançadas a A metamorfose, de Franz Kafka, e suas metáforas, às quais as artes com ou sem aura sempre reportarão: afinal, a metamorfose não é apenas pensada pela arte como também nela se faz. Inspirada nesta obra, a cena do 10º Festival de Cenas Curtas escolhida para receber subsídios do Galpão Cinehorto para se desenvolver como espetáculo, “A mudança” expirou sensibilidade e capacidade de transformação de uma importante obra da literatura em uma leitura cênica feita pela inquietação de sonhos de jovens artistas mineiros. No segundo ano do projeto “Cena espetáculo” do Festival, a escolha do júri, composto por Carolina Braga, Helena Mauro e Sara Rojo, entende, assim, o despertar possível que pode passar por novas metamorfoses, e, ao contrário do monstro, se dar à mostra. Então, da sua forma, trazer à cena é revelar o que se costuma ocultar como os monstros, posto a claridade de uma manhã – que é corrente metáfora para o novo, o jovem. Serão necessárias muitas metamorfoses, e lançados os dados, disse Mallarmé, não será abolido o acaso. Mas a Cia. Do Chá entende a mudança, saberá desenvolver o lance e dar as suas formas.
Partindo das idéias de mudança, pensemos em que ordem se dá o fazer artístico neste Festival: formas em construção e reconstrução, transformações, renovações, acasos não abolidos. Partindo desses sentidos, que foram trazidos ao palco do Festival, continuemos curtindo aqui as cenas do final de semana, 20 e 21 de junho, e um pouco do que mostram despertado pelas inquietações de seus sonhos.

− Todos os Animais são iguais, mas alguns Animais são mais iguais aos outros, com direção de Luiz Carlos Garrocho, é um título verborrágico, mas a cena, ao contrário, é atravessada pela ausência de palavras, as quais somente aparecem em uma tela e por uma voz em off. Ausência esta potencializadora da inquietação das errâncias de sujeitos perdidos em um lugar indefinido, na “zona fronteiriça”, como explícita o grupo. A fronteira é paradoxo do limite e sua ausência, zona da mistura - lugar da morte? Da tela se exibem imóveis as palavras “tudo passa”, e pela repetição impressa nela provoca também a impressão do movimento. Essa falsa projeção das palavras, porém, está nas costas desses sujeitos (espectadores dentro do palco?), os quais, por sua vez, pelo olhar mostram que vêem passar... nada (seriam um espelhamento da platéia?) Nos seus bancos, são espectadores de olhares vazios, que quando se põem a andar, o fazem em círculos e repetindo certos movimentos. Que papel tem uma arma para aqueles passantes que andam sem sair do lugar? Tomando-os pela cena, será esta também um movimento em círculo, que não sai do lugar?

− A aurora das nossas vidas, que os anos não trazem mais, não é só amor, sonhos e flores. Dia de prova, da Companhia do Ator cômico, traz uma visão da infância, em um espaço emblemático dessa fase, a escola, com riso, mas o confronta com a usurpação e incompreensão do outro. Com pleno domínio do trabalho com máscaras, o figurino, iluminação, sonoplastia e cenário se somam para deixar o público entre o humor e o enternecimento diante de forças contrárias em um dia de prova de uma menina e um menino. Da mesma forma que tudo está em uma proporção maior em cena, também se pode ampliar as discussões e incômodos trazidos com delicadeza por ela. Os personagens não representam apenas alunos de uma escola, mas também a infância, com suas incoerências, diferente de uma visão idealizada. Além disso, representam também a maldade e a bondade lado a lado, mas também sua mistura na figura do professor. Podem ser vislumbradas também as provas a que se passa em qualquer dia. Uma cena simples com máscaras sem palavras conseguiu também ganhar grandes proporções, as mesmas que não olham para a criança e o aluno com desprezo, mas os amplia. A aurora aqui é da simplicidade, expressividade com pleno domínio artístico, que nossos anos atuais parecem, às vezes, não trazer mais...

− Depois de A mudança, veio Primavera, de Ipatinga. Ecoou nas três últimas cenas da noite a consciência crítica que passa a ter Gregor dessa primeira quando acorda em um dia diferente dos outros. Ele fala das mudanças de móveis feita pelos familiares, mas que “quando vemos estamos todos entulhados.” As palavras de Gregor de A mudança também precisam ser pensadas para o teatro: a inquietação por mudanças é importante, assim como empreender essa inquietação em cena, como forma de experimentação, mas esta deve ficar atenta para não incorrer em movimentações vãs, excessos de uso de recursos e objetos e até mesmo ânsia do uso do corpo e da voz em suas tantas potencialidades, para que não se acabe dando por conta de que, por fim, estamos entulhados de muitas pretensões, muitos movimentos, muitos recursos. Pode soar estranho aos outros essa consciência, como ocorre com a família de Gregor, mas é preciso também acreditar nela. Primavera, como as outras duas que a antecederam, prima pela leveza e simplicidade. O jogo será dado em um tapete vermelho rodeado por cadeiras pretas. Definido “o espaço é uma feira livre”, nele se entra para a ação: seja pelo corpo ou palavra. Não há objetos cênicos, o figurino é simples, um vestido, ou blusa branca com calça qualquer, e ainda, se alcança efeitos de luz nele: envermelhado pelo reflexo da luz branca no tapete. A ironia quanto ao “entulhamento” também se mostra na cena: com um texto com profusão de trocadilhos e prolixo em seu vocabulário, para, no entanto, narrar situações cotianas de feira, livre de muitos entulhos.

− As duas primeiras cenas da noite de domingo do Festival, 21 de junho, foram por via diferente destas últimas do dia anterior. Elas buscaram lançar mãos de várias possibilidades em suas encenações. São ricas e impressionantes, nesse sentido. Porém, se excederam no tempo de quinze minutos permitido para a cena no Festival, o que leva a perguntar se também não houve excessos nas escolhas, ou falta delas, em suas encenações. A reflexão, cuja incursão é indicada aqui, aponta os riscos das escolhas, mas entende, claro, ainda a necessidade de passar por eles, uma vez que são processos que aponta um porvir. Quando a energia acaba, criação coletiva, apresentou um ritmo frenético, com vários fragmentos e longo enredo, para o qual cumprir não falou energia. Interessada em confrontar a tecnologia e o homem moderno, foram trazidos para a cena o rádio, a TV, o telefone e o computador. Em contraposição a eles, como forma de tratar do velho e o novo, na trilha, a presença constante de música clássica. Também destacaram-se os black outs que imprimiram na cena a idéia de cortes cinematográficos e imagens externas gravadas nas ruas de BH exibidas por uma televisão, as quais completam o que ocorre no palco. Já em O beijo, de Curitiba, também apresentada como criação coletiva, houve sonoridades do microfone, do canto, da música, dos aplausos, do inglês de gravações de cursinhos de língua... e várias referências a gêneros cinematográficos e televisivos... além disso, humor com elementos, por hora, surreais. O grupo Teatro de Breque elencou vários elementos para falar de um diálogo simples e curioso: um pedido de um amigo a sua amiga para o teste de um beijo. O beijo teve gosto de aurora no teatro e desejo de criação. Nas duas cenas primeiras cenas de domingo saltam aos olhos o proveito da coletividade, mas há uma característica das cenas que precisa ser pensada e pode ter partido daí: a profusão de idéias em conjunto, e menos focos, recortes de escolhas.

− Quebra do riso, então, para uma cena livremente inspirada em “Cartas a um jovem poeta”, de Rainer Maria Rilke. Da solidão que há em nós, dirigida por João Filho: diálogos entre o eu e tu e o recorte desses para a solidão que perpassa o “nós”, cujo plural é menos para conjunto que para existências apartadas. Nesse sentido, em praticamente todo decorrer da cena, há um ator no palco e outro na platéia, o que para alguns que assistiram à cena, foi apenas um ator no palco e uma voz vinda da platéia. Deve-se salientar aqui as falas que partiram de um texto poético, e assim, difícil, pelo que apreende-se em cena, que foram articuladas com habilidade pelos atores. E como em círculo giraram os dois, o Festival teve como última cena da noite também outros palhaços, fechando seu ciclo da mesma forma que foi iniciado com o Boxe com palhaçada do grupo convidado de Manaus. Em O sequestro, de Salvador, com olhar crítico sobre a violência como palhaçada, os palhaços de Danilo Novais e Yoshi Aguiar se mostraram hábeis no gênero e atentos ao Festival retomando várias cenas como piadas. Por eles, além da inteligência do humor e domínio do arte do palhaço, foi possível ainda relembrar diversos momentos do Festival. Após os aplausos da platéia, a cena desdobrava-se em vários finais, entrecortados também pelos aplausos e acabaram revelando o desejo de não finalizar o Festival, e que fosse possível alongá-lo por mais o tempo... Esperemos, então, por mais alguns momentos com as cenas mais votadas no próximo final de semana...

Boxe com palhaçada: o clown que se fez nas ruas

2009-06-23T08:07:00.000-07:00

Por Breno Procópio

Salve! Salve! Respeitável Público, agora com vocês o humor inebriante, a trama mais hilária, a fina flor do riso: Booooxeeeee com Palhaçada!

Clap, clap, clap, clap... A platéia aplaude com vibração, na expectativa que o espetáculo se inicie logo.

Começa a tocar uma música triste e aparece uma palhaça chorando em profusão pela partida do seu marido-palhaço. É Cafusca: palhaça valente, resolvida, rápida na língua como forte relâmpago. Ela dá de ombros para o sumiço do cujo e vai logo tratar de dar linha à vida.

De súbito, dois novos pretendentes aparecem, os palhaços Debilóide e Meiofino, loucos pelo amor de Cafusca. A trama segue com a preparação do duelo pelo coração pulsante da palhaça. Um ringue é montado com a ajuda do público e a aventura do riso e do improviso não cessa mais.

Eleita a melhor cena do Festival Breves Cenas, de Manaus, o “Boxe com Palhaçada” aceitou o convite do grupo Galpão e trouxe humor, irreverência e muito improviso para o Cenas Curtas. O grupo formado por Ariane Feitosa (Cafusca), Idelson Mouta (Debilóide) e Jean Linhares (Meiofino) realizou a abertura do festival, em duas apresentações nas noites de quinta-feira e sábado. O Compalhaçada fez mais: deu seu recado e marcou seu lugar na 10ª edição do festival mineiro.

O que o público não imagina é que a história do grupo se forjou nas ruas, do jeito mais puro e tradicional da arte popular. Os irmãos Idelson Mouta e Jean Linhares já faziam teatro profissional há quatro anos em Manaus quando conheceram Ariane Feitosa. Os três compartilhavam o prazer pelo improviso e desejavam estudar mais as técnicas de palhaço. “Naquela época, nós não tínhamos na cidade alguém que pudesse nos ensinar o clown. Então, nós aprendemos fazendo, na rua, descobrindo possibilidades com o público”, explica Idelson Mouta.

Eles se juntaram e passaram a compor a Trupe da Alegria, fazendo visitas nos hospitais da cidade para ajudar os doentes. Em 2006, o grupo conseguiu entrar em um dos projetos do governo do Amazonas, que consistia em apresentações cênicas em espaços públicos da capital. “Todos os domingos nós três íamos para o Largo de São Sebastião, bem em frente ao Teatro Amazonas, e fazíamos uma hora e meia de improvisação. Não tinha um tema definido, o público é que escolhia”, conta Idelson.

Da experiência nasceu o grupo Compalhaçada. “Queríamos criar um espetáculo de palhaços, que tivesse um triângulo amoroso. Foi quando vimos um vídeo do grupo catalão “El Tricicle”, no qual os humoristas lutavam boxe. Surgiu a ideia do duelo pelo amor de Cafusca”, relata Jean Linhares.

“Na primeira montagem que fizemos usávamos luva de boxe. Depois, substituímos a luva de boxe pela de cozinha, o calção pelo pijama. Tudo para tornar os elementos cênicos mais próximos do universo do palhaço”, conclui.

Breves Cenas & Cenas Curtas

No Festival Breves Cenas, o Compalhaçada se viu diante de alguns desafios: síntese, dramaturgia e palco. “Nós estávamos acostumados com a rua e apresentações de mais de uma hora. No festival, tivemos que reduzir a cena, avaliar os quadros mais importantes, além de aprender a improvisar no palco e em ambiente fechado”, explica Idelson Mouta; mas a avaliação, segundo ele, foi positiva “tanto que ganhamos o primeiro lugar”.

Para os atores, o festival que começou este ano em Manaus representa mais um incentivo para os grupos e o teatro do Estado. Segundo Jean Linhares, o teatro amazonense está crescendo muito e o calendário está cada vez melhor. “Agora temos em março, o Breves Cenas; em setembro, a Mostra de Teatro e em novembro, o Festival do Amazonas, que reúne grupos de toda a região norte do Brasil”.

Quando o assunto é a participação no Festival de Cenas Curtas, os atores afirmam que estão muito contentes em poder trocar experiências e conhecer uma outra realidade no fazer teatral. “Primeiramente, é uma honra estar aqui com o grupo Galpão e com tantas pessoas que respiram teatro. A arte que se faz em Minas é muito ousada, ela se propõe muito, quer ir além dos limites. Nós vamos levar isso para Manaus”, afirma Idelson Mouta.

Festival de Cenas Curtas comemora 10 anos com debates calorosos no dia seguinte à apresentação das cenas

2009-06-22T12:12:00.000-07:00

Por Ana Paula Valois

Debate entre os atores no domingo

O Festival de Cenas Curtas sopra dez velinhas este ano com casa cheia e, no dia seguinte, com debates com os atores que elaboraram as cenas. A intenção é apresentar para os colegas as propostas e os processos de cada cena e trocar experiências de criação. O fim de semana foi intenso na Pitangui, 3613. No sábado, dia 20 de junho, apresentaram-se no Festival cinco cenas, sendo a primeira “Boxe com palhaçada”, convidada. Durante o debate no domingo o ponto central da discussão foi a importância da palavra, pois o silêncio foi marcante na noite de sábado, “Todos os Animais são iguais, mas alguns Animais são mais iguais que outros”, de Belo Horizonte e “Dia de Prova”, de Curitiba foram prova disso.

Similaridades distantes

2009-06-22T12:11:00.000-07:00

Por Renata Botelho

Dias lotados com direito a fila de espera, manifestações calorosas da platéia, intervalo com direito a água, cerveja, refrigerante e a identificação de um iluminado entre nós por dois personagens ilustres. Acompanhei o Festival na sexta e no domingo e estas foram lembranças que para mim conseguem transmitir um pouco do clima do Cenas Curtas.

O Cenas Curtas propõe a seus participantes a oportunidade de experimentar novas linguagens e criações cênicas. Em todas as cenas percebi o esforço de cada um dos grupos em desenvolver aquela idéia de um ponto de vista pouco comum, que fugisse do óbvio.

Na sexta-feira, tive a oportunidade de conhecer a não-linearidade das lembranças de uma caixinha, presenciar um crime envolvendo uma esposa frustrada e um marido corrupto, me divertir com o encontro de um dos mestres da literatura brasileira e um ritual da religiosidade popular e a manifestação midiática de uma crítica da indústria cultural. Com tantos contextos diferentes, eu e mais alguns colegas de platéia conseguimos perceber algumas similaridades de expressão entre duas cenas.

Em “Francisca” as atrizes utilizaram um recurso de caracterização de personagens através da troca de papéis. A cena é a história de uma mulher humilhada pelo marido que decide que a única solução seria matá-lo. Em muitos momentos cada uma assume um lugar, seja do marido ou do inconsciente de Francisca. Já em “Corpo fechado”, Mário Andrade participa de uma cerimônia de catimbó, interpretado por dois atores que trocam inúmeras vezes de papel para apresentar ao público as particularidades notadas no registro do autor. Mesmo se tratando de um recurso parecido em cada cena, ele teve um propósito único. Seja para contextualizar a história e gerar uma tensão entre platéia ou dar um ar mais cômico e leve.

No domingo a semelhança da vez foi o viés que transcorreram as cenas: o relacionamento. “Quando a energia acaba” fala um pouco sobre os anseios e os desejos de pessoas, que geralmente são meros transeuntes do nosso cotidiano, em meio a uma expressão corporal bem aplicada e uma narrativa que entrelaça todas as histórias. ”O beijo” explorou a desconstrução de um espetáculo para contar a história de um casal de amigos que se apaixonam na experimentação de um beijo. “Da solidão que há entre nós” a perda de um irmão gêmeo e o reflexo da solidão em meio ao cotidiano. Já “O seqüestro” cativou a todos com a interação de dois palhaços que pretendiam realizar um seqüestro e o público do festival. Este relacionamento na cena foi fator determinante para sua fluidez. Um belo fechamento para animar o público que ainda aguardava a comemoração de mais de 10 anos de várias histórias.

Devaneios femininos

2009-06-22T12:02:00.000-07:00

Baseada na obra de Rubem Fonseca, cena apresentada no 10º Festival de Cenas Curtas fala de opressão e de falta de esperança no amor

Por Wandra Araujo

A produção carioca Francisca, e seu intrigante jogo cênico, foi uma das quatro montagens apresentadas no 10° Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto no segundo dia de programação, sexta-feira, 19 de junho.

Uma mesa, duas cadeiras e um corpo desenhado no chão são os elementos cênicos no primeiro ato da cena. O simples cenário foi suficiente para as maquinações de Francisca, uma mulher de aproximadamente 30 anos, infeliz com o casamento – condição que serve de fio da meada para o desenrolar do enredo. A partir de sua idéia fixa de matar o companheiro, para ela um grande canalha, a história surge. “Um marido desses tem que ser morto, e não em sonho, mas na vida real”.

Em cena, duas Franciscas. Ou uma Francisca e seu pensamento. Duas atrizes que dividiam o mesmo espaço no tempo e que encarnavam a mesma personagem. Façanha típica das obras de Rubem Fonseca, da qual a cena foi adaptada. Aliás, o brutalismo, corrente literária inaugurada pelo autor, é fielmente desenvolvida na montagem. No elenco, Morena Cattoni e Tatynne Lauria fazem ‘personagens narradoras’ de uma trama onde a oralidade é o grande elemento que move a história. O tom de mistério, policialesco e intrigante, fez parecer que a produção teve bem menos de 15 minutos (tempo máximo permitido pelo Festival). Característica de contos de Rubem Fonseca, e também de boas montagens, que envolvem o público a ponto de não perceber o passar do tempo.

A atmosfera opressora do mundo em que vive a personagem é bem simulada pela meia luz e ‘palidez’ dos objetos que compõem a cena. Tudo combinando com a frieza das ações de Francisca, que não tem nenhum remorso de querer matar o marido num assassinato planejado para que se pareça um suicídio. Francisca, a viúva oprimida e assassina, ainda tem tempo de ensaiar sua versão para a morte do companheiro.

Longe de ser um crime passional, o assassinato do marido de Francisca por ela mesma é uma libertação. E, talvez, possa se enquadrar em outra categoria de crimes, a legítima defesa. Afinal, vivemos numa sociedade em que muitos indivíduos se anulam em função de outros acreditando no amor ou até mesmo em convenções sociais – tipo o casamento. Como motivação do crime, não se pode aventar outras possibilidades: como a de Francisca preferir ser viúva do que ser responsabilizada por um casamento fracassado.

Esta preocupação consigo (por parte do marido que nem mesmo mereceu um nome) não tem como reflexo apenas o egoísmo, mas também o abuso. Francisca possivelmente foi vítima de uma situação assim, de exploração e opressão. E, ao mesmo tempo, deu continuação a um ciclo de ausência de diálogos sinceros, de desamor e desesperança. De não-reconhecimento do próximo, do homem que um dia quis ter como marido.

A cena, dirigida por Diego Molina, agradou e suscitou reflexões acerca da real motivação do crime. Mas, tudo neste texto, são apenas especulações acerca do que se passa na mente de uma mulher.

Cartas a Um Jovem Poeta é inspiração para o Festival de Cenas Curtas

2009-06-21T10:49:00.000-07:00

Por Maria Luiza Mattar

Solidão
A solidão é como uma chuva.
Ergue-se do mar ao encontro das noites;
de planícies distantes e remotas
sobe ao céu, que sempre a guarda.
E do céu tomba sobre a cidade.

Cai como chuva nas horas ambíguas,
quando todas as vielas se voltam para a manhã
e quando os corpos, que nada encontraram,
desiludidos e tristes se separam;
e quando aqueles que se odeiam
têm de dormir juntos na mesma cama:

então, a solidão vai com os rios...

Rainer Maria Rilke, in "O Livro das Imagens"

Da solidão que há em nós é uma das cenas que será apresentada no 10º Festival de Cenas Curtas, do Galpão Cine Horto. A apresentação, criada especialmente para o evento, trata da solidão, um elemento sempre presente na sociedade contemporânea. Através da inspiração de Cartas a um jovem poeta, obra do poeta alemão Rayner Maria Rilke, a equipe composta pelo diretor João Filho, pela dramaturga Adélia Carvalho e pelos atores, Henrique Meirelles e Marco Túlio Ornellas pretendem levar o público a uma reflexão.
Henrique Meirelles, ao ler o livro, logo se identificou com as idéias do autor e procurou compartilhá-las com outras pessoas. “Quando li o livro de Rilke, senti que muito do que era falado ali coincidia com meus pensamentos”, afirma o ator. A partir daí surgiu a vontade de montar um trabalho inspirado na obra. Henrique chamou João Filho, que concordou em dirigir e Marco Túlio, em atuar. Uma coincidência está no fato de que ambos haviam tido, também, naquele momento, contato com o livro. A vontade de tratar dessa temática foi apoiada por Adélia Carvalho, que já havia escrito alguns textos em que abordava a solidão humana.
O livro Cartas a um jovem poeta é marcado pela intensidade da vivência do autor e pela simplicidade das palavras. Entre questionamentos como a criação artística, Deus e relacionamentos, há também uma reflexão sobre a grandeza da solidão, algo inelutável do ser humano. A criação dramatúrgica da cena foi inspirada a partir dos trechos das cartas dirigidas ao jovem poeta Franz Kappus, que tratam dessa solidão original e, de certa forma, positiva.
A dramaturgia da cena foi desenvolvida por meio de estímulos advindos das improvisações dos atores, que se pautaram pelo modelo do “teatro investigativo”. Quanto ao trabalho de direção, houve uma atenção especial ao jogo criativo dos atores com relação à poética do texto, às vestimentas, aos objetos, à interferência sonoro-musical e à iluminação. O diretor busca um estilo que não dê prioridade aos excessos cênicos, mas que procure descobrir a verdade interna dos personagens, colocando o ator como centro da ação dramática.
A formação e o trabalho de cada integrante apresentam muitos elementos em comum. Os atores Henrique e Marco Túlio formaram no CEFAR, Centro de Formação Artística do Palácio das Artes, enquanto João Filho está se formando neste curso e também, em Teatro, na UFMG. Adélia Carvalho, que é, além de dramaturga, atriz e diretora teatral, desenvolve seu trabalho de dramaturgia em alguns espetáculos de formatura do CEFAR. Cristiano Reis, que auxilia na pesquisa corporal da cena, integra a Companhia de Dança no Palácio das Artes. Foram as semelhanças dessa equipe que ajudaram na construção da cena-espetáculo.

Novas curtas do festival

2009-06-21T10:48:00.000-07:00

Por Sandro Henrique

“Fiat lux”, riscado o fósforo da “Caixinha de lembranças”, e houve entre trevas várias luzes. Até que um clarão estoura e foram criados “Francisca” e seu marido. Mas Francisca não manda vir a ela os passarinhos, come o ovo que o marido amassou e trama expulsá-lo do seu inferno para ganhar o paraíso. E assim foi. Baixa o santo para o “Corpo Fechado”. Mário de Andrade se faz herói sem nenhum caráter específico, brasileiro que é de todos os santos. Debord está morto. E foi dito “Eu me vendo por muito menos do que você paga”. Então vieram do alto chuva de tomates. E o homem cai. Depois veio chuva de pratas. E um homem pisou no tomate. E se deu na saída ao público o que é do público. Assim foi. Assim seja.

Aqui, curtindo o Festival, como foi dito no bloco “CURTAS DA ABERTURA DA 10ª EDIÇÃO DO FESTIVAL”, novas sobre as cenas citadas acima apresentadas no segundo dia, 19 de junho, do décimo festival.

Do palito de fósforo, do isqueiro, da lanterna, da vela, dos refletores: as luzes da primeira cena da noite de sexta-feira partiram de diversas fontes. Em suas diversas formas, as luzes de “Caixinha de lembrança” revelam o papel da iluminação integrado aos outros elementos cênicos de forma contundente. Para repensá-lo em cena, é possível partir de outros sentidos correntes da própria palavra, às vezes esquecidos: aquele usado para falar do sagrado, ou quando se tem uma idéia, conhecimento novo, ou lembrança. A cena dirigida por Tião Vieira apropriou-se claramente deste último. Em “Caixinha de lembranças”, a luz se faz entre trevas do cenário, como momentos de fulgor, em que se vislumbra bonecos ou atores que desaparecem e reaparecem como instantes fragmentados. As “lembranças”, assim, se dão por essas luzes, como breves iluminações da memória. Também os escuros do palco mostram os pontos obscuros dela. Se o palco é também uma caixa preta, a cena faz dele, então, esta caixinha da memória, das lembranças e esquecimentos, e insere nele várias outras caixinhas: um mise en abyme. Dessa forma, a memória: rede de compartimentos abertos que continuamente se reorganizam, ou se ampliam pelo movimento das caixas. Dentro delas: bonecos de todas as formas e tipos. Estão eles compondo sujeitos dos compartimentos da memória? O que lhes traz vida? Como podem ganhar o aspecto mórbido e enternecedor simultaneamente? Essas perguntas são resolvidas cenicamente. Vale, porém, apontar que há muitas quebras de ritmo da cena, que não se revelam interesse do seu conjunto. O texto também é pretensioso, não pelas frases oraculares, dos quais se faz, mas pela própria elaboração delas, o que acaba por ilustrar uma “vã filosofia”, a qual citam, uma de suas referências, por sinal, muito fácil, e, por isso mesmo, armadilha que demanda mais cuidado para não ser armada.

Das trevas da cena anterior ao choque de uma luz forte que, instantaneamente, provoca cegueira. O caráter ambíguo deste primeiro instante permanece, de outra forma, em “Francisca”: a morte, o assassinato, tema que aborda, não costumam ser associados à claridade, pelo contrário. Mas, às claras, Francisca, desdobrada em duas atrizes, recurso que tem sido recorrente atualmente e que ocorrerá também na cena seguinte, conta seus sofrimentos com o marido e o descreve, além das palavras, também com o corpo. Enquanto uma narra, a outra interpreta, segundo sua visão, o infame marido. As mulheres, tendo a platéia como cúmplice, tramam o assassinato dele: tanto no sentido de fazer intriga ao elaborarem seus planos, e também na articulação da fala, no sentido de tramar como enredar, o que é possibilitado pela presença de narrações em cena. O crime é tratado com a frieza da luz branca sobre elas. Neste momento, elas não o incorporam mais, ilustram o arrastar do corpo do marido até a janela em que será lançado com o arrastar de uma cadeira: agora o marido é apenas um objeto a ser descartado. Vários tipos textuais se desdobraram nas falas das Franciscas: as listas de remédios e nomes de paraísos fiscais, dissertações sobre o direito de matá-lo, relatos da péssima vida conjugal. Por fim, também inserem outra cena dentro da que se fazia, a qual é guiada por essas falas de diversos gêneros, ao ensaiarem diante do espelho o relato sobre a morte do marido. O que é significativo numa cena que tem como base uma narração feita pelas personagens ao público, como questionamento desta base, já que soubemos do caso pelo relato das mulheres, são elas mesmas personagens e narradoras em cena que ensaiam de modo canastrão, por fim, o choro fácil de “quando se está feliz”, diante do espelho. Vale salientar que a cena é ágil, seu ritmo tem a claridade da sua iluminação, mas deixa, porém, um gosto de teatro de passos marcados, não por inabilidade das atrizes ou direção, mas no sentido de plena confiança das próprias escolhas em que o risco, como perigo, parece não ser considerado da mesma forma que o questionamento feito na cena final. Pelo contrário, como tudo parece riscado, marcado, talvez mesmo porque o crime de Francisca pareça um crime perfeito, acaba sendo esse o risco que incorre a cena: a de não permitir suspeitas sobre si mesma.

Como foi apontado anteriormente, a belohorizontina cena “Corpo fechado” lançou mão dos mesmos recursos da carioca que a antecedeu: dois atores interpretam o mesmo personagem e o uso da narrativa dirigida à platéia. Imediato déjà vu que, se não é motivo para precipitado julgamento, já incita discussões. A recorrência é fenômeno a que se deve atentar por provocar questionamentos quanto à formação de um gênero, ou estilo. Porém, pode indicar também uma conformação de um modelo a ser seguido. O que é digno de nota aqui é apenas ponderar o perigo da reafirmação do uso de certas estruturas e recursos como certeza e porto seguro de uma bem-sucedida encenação. As cenas comentadas aqui são bem-sucedidas, e não é o fato de serem ou não que deve ser questionado, mas suas certezas que podem se tornar embriões de paradigmas de um contexto, mas também conformações de modelos: discussão adequada para um festival como este.

- O desdobramento do Mario de Andrade de “Corpo fechado” principia, porém, quando há necessidade de outros personagens. É destaque da cena seu texto, no cuidado de pesquisa sobre Mário de Andrade e sua obra e a importância destes em suas relações com a cultura erudita e a popular brasileira, a elite e a margem, misturas que foram trazidas para a encenação. Os desdobramentos de Mário, então, talvez, também possam ser lidos como outra forma de dar corpo à polivalência de um sujeito como o escritor. Contracenam também, no sentido da mistura, “sinceridade e charlatanice”, como indica a sinopse da cena no Programa do Festival, ou em termos de características da cena: a poeticidade e o riso, a presença constante da fala e preocupação com o uso do corpo. Também como a cena carioca há uma forte convicção no próprio trabalho, que, ao invés de trazer-lhe o caráter da maturidade, pode levar à leitura desta cena como um corpo fechado em si mesmo, em que se convoca apenas as forças de Oxalá – que em termos greco-romanos são apolíneas, ordenadoras – se esquecendo daquelas que os trabalhos fazem, sabiamente, questão de invocar logo em seus inícios: as forças de Exu – próximas das dionisíacas - que aportam no caos, na desestabilização de certezas.

- {É Debord que está sentado no palco com seu incômodo olhar? - perguntam aqueles que estiveram na platéia da edição anterior do Festival de Cenas Curtas. Não, a sinopse do programa do festival diz que “Esperando Debord” falhou e que agora é “preciso enterrá-lo”. Como o silêncio é poderoso! A platéia está incomodada com o ator mudo parado no palco. Tem-se agora tomates à mão e pode-se lançá-los contra o incômodo homem que ocupa o palco. Que belo espetáculo as diversas direções e intensidades dos tomates sendo lançados de diversos pontos da platéia! De onde partirá o próximo? Qual será a mão capaz de atirar o primeiro tomate acreditando que não tem o desejo de fazer o espetáculo que não lhe foi oferecido a assistir? “Pegue o seu e divirta-se” - interpela uma voz em off. Que queda perfeita irrompida do nada! Grande corte na expectiva de que a cena seria a mesma do ano passado... - Faz-se aqui crítica? Isso é criticar?- Que trilha ótima! O uso das projeções sintoniza-se com a confluência de recursos da contemporaneidade... Não, não é possível levar essa cena a sério demais...mas que poder imagético e sonoro esta chuva de pratinhas! Isso! Tema político! Crítica da sociedade de consumo e comércio de arte! Ouve-se “Não há possibilidade de desenvolvimento da condição humana sem desenvolvimento material!” O ser humano vendido consume o produto e é também um. “Quem quer dinheiro?” - Quem não quer? - Não, não “eu não me vendo por muito menos do que você paga”! Eu não! Eu compro. Eu... “Compramos seu voto” Será que eu vendo o meu? Não, se estão criticando o poder da compra eu não posso me vender! Não serei eu um vendido? Absurdo comprarem os votos num Festival? Mas quem os vende não terá aderido à cena, entrado também na performance, creditando a ela o reconhecimento de se está inserido num jogo de lucro? Despojando-se de hipocrisia? Será que eu vendo...? Pelo menos, após os minutos do grupo (?) “Conjunto vazio”, pelo menos os meus bolsos não sairão assim...}

Quatro cenas e uma noite intensa

2009-06-21T10:41:00.000-07:00

Por Brígida Alvim

Aqui? Aqui onde? Tudo? Tudo o que? Questões simples e ao mesmo tempo complexas dão início a um diálogo constante e ininterrupto. Gente conversando? Não, são bonecas e bonecos, ursos e palhaços - alguns até nos pareceram familiares. Uma canção na caixinha de música acalma os ânimos. Caixotes pendurados por cordas e barbantes são habitats dos pequenos personagens. Um jogo de luz e penumbra permite observá-los. A estética de Caixinha de surpresas não pretende adoçar, pois os bonecos e mimos já estão velhos e desgastados. E nos lançam a pergunta: nossos brinquedos e desejos da infância, onde foram parar? Da mesma forma, esquecemos dos ideais históricos da humanidade, pensamentos filosóficos que propuseram grandes mudanças e, no entanto, ficaram para trás. Nossa incrível capacidade de esquecer as coisas... Infância, nostalgia, reflexões e questionamentos. “Por que já não dizemos nada? Porque não podemos dizer nada”. Estamos na era da tecnologia, nos socializando por meio do celular e da internet, talvez brinquedos e antigos sonhos já não importam. Será que seria essa a resposta? O que é tudo, onde é onde? “Paz e amor!” - um grito – e apagam-se as luzes para entrar a próxima cena.
“Qualquer mulher já pensou em matar o marido!” Para Francisca, o que no início era um devaneio, tornou-se uma determinação real. O humor caracteriza a linha narrativa da cena carioca. Apesar do tema de morte, intrínseco numa relação de amor e ódio, a cena é leve e divertida. A dramaturgia se sustenta principalmente na linguagem, irônica e sarcástica. Duas mulheres se revezam na interpretação do casal, Francisca e o marido. A encenação é dinâmica e envolvente. “É fácil chorar se a pessoa está muito feliz”, de fato consumado, justifica a protagonista, surpreendendo a plateia.
A cena seguinte foi Corpo Fechado. Mário de Andrade, um dos artistas percussores do modernismo no Brasil, é o protagonista que relata a experiência vivida em uma de suas viagens ao Nordeste para aprofundar-se no estudo de culturas regionais. Uma mesa com forro branco e velas, uma cadeira à frente e, nela, o personagem principal se dispõe a participar do “ritual para fechar o corpo”, em cerimônia do catimbó. Um misto entre dança, canto, poesia, diálogos e movimentos compõe o episódio cômico-cênico, num ambiente sinestésico. Percussionistas embalam o misticismo da cena e o odor de incenso e arruda extrapola do palco. No entanto, por falar em extrapolação, em alguns momentos o humor é forçado além da medida. A expressão corporal, embora bem situada na narrativa, exibe esforço exaltado em fazer rir, o que compromete a qualidade da cena.
Finalmente, Eu me vendo por muito menos do que você paga fechou a noite teatral com provocações inusitadas. Passividade é o que se pensa de um sujeito inerte frente aos ataques de pessoas zombadoras e agressivas que lhe atiram tomates; mas o Conjunto Vazio é capaz de contrariar esse conceito inicial. O alvo, um rapaz franzino, parece frágil e indefeso. Triste, por hora inabalável. De repente, exibe um sorriso sarcástico e triunfal. Pudera, pois, ao contrário do que se imagina, é ele que está manipulando quem está a lhe atacar. O espectador, passando a compor a “massa”, torna-se personagem ativo e também passivo, ao fazer aquilo que é comandado no palco, seja por meio de olhar provocativo ou de vozes impositivas transmitidas em recurso audiovisual. “Jogue e se divirta!” é dito, e os tomates são atirados pelos “manipulados”, maioria da plateia. Essa reação previsível do público é o “pulo do gato”, o sustentáculo da cena.

Por de trás do detrás

2009-06-20T10:31:00.000-07:00

Por Marcelo Ernesto

A fila na porta do Galpão Cine Horto já denunciava mais uma noite de sucesso de público do 10º Festival de Cenas Curtas. Lá dentro no camarim, os atores já se concentravam para o grande momento: a hora de entrar no palco. São 15 minutos, mas a ansiedade e dedicação são dignas de horas de espetáculo. Cada um a sua maneira vai preparando o corpo e alma que daí a alguns minutos vão viver outras e intensas emoções. “Mesmo já tendo apresentado várias vezes o espetáculo, na hora sempre dá um nervosismo”, contou Rafaela Kênia, integrante do grupo Caixa 4, que apresentou a cena “Caixinha de Surpresas”, a primeira da noite.

Os minutos vão passando e a ansiedade vai se misturando à tensão. As luzes ficam menos intensas para não interferir no trabalho de montagem e preparação do cenário e deixam o ambiente mais introspectivo para os atores. Momentos de profundo silêncio são intercalados com risos e um abraço coletivo. Alguém desavisado que passe pelo local pode achar que se trata de uma oração, mas os risos fazem com que esta impressão seja logo descartada. Pulos, longos e profundos suspiros, troca de olhares, pra quem vê toda essa movimentação é como se tudo já fosse parte da interpretação do espetáculo.

O barulho da platéia ao fundo serve de trilha sonora. “São quantas horas? 20h50!” O entra e sai dos técnicos denuncia que a infinita espera está próxima do fim. Atrás das cortinas gestos e sinais de confirmação das marcações. Tudo deve sair perfeito. Afinal, a mostra é competitiva. O anúncio do vídeo que conta a história dos 10 anos do Festival de Cenas Curtas faz aumentar os pulos, alongamentos e repetições do texto em voz baixa, que a essa altura, mais parece um mantra. Já são 21h16. “Essa espera me deixa mais tensa”, afirmou Larissa Metzker, já prestes a ocupar seu lugar no cenário. Enfim, chegou o momento!

No palco, as atores colocam todo trabalho e sensibilidade em cena. “Hoje é uma celebração”, comemorou Tião Vieira, ator e diretor de “Caixinha de Lembranças”. Os 15 minutos passam muito rápido e todos já estão de volta ao camarim. Agora o semblante é outro, de alívio, sensação de dever cumprido. De acordo com Vieira, este momento com tudo que ele representa é o que dá prazer. “O gostoso é o processo, são todas as pessoas que abraçam o projeto”, confessa. O momento é de relaxar e avaliar a apresentação sobre a ótica de quem sabe o que e em que momento determinada coisa deveria acontecer. Nisso não cabe o público participar, faz parte do processo criativo e de evolução da peça. Os fortes e longos suspiros, dessa vez, são de comemoração. “Agora tudo tranqüilo”, exclamou Larissa.

Outra equipe que trabalha muito e sente bem esse momento antes de cada cena ser apresentada são os técnicos. Cenário, luz e toda movimentação que rola atrás das cortinas antes de cada apresentação é feita com muito cuidado e também correria. Tudo tem que estar perfeito para que o trabalho dos artistas aconteça da melhor maneira. E essa expectativa de que nada dê errado, une artistas e técnicos.

Irreverência marca o segundo dia do Cenas Curtas

2009-06-20T10:11:00.000-07:00

Por Marcelo Ernesto

Um convite a revirar as lembranças e tratar os medos interiores, muitas vezes, esquecidos na memória e que podem, a qualquer momento, provocar delírios internos. Com essa temática a cena “Caixinha de Lembranças”, do Grupo Caixa 4, abriu a segunda noite do Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto. Com um cenário repleto de caixotes e bonecos que dialogavam com um ser humano voltado para dentro de si, a cena utilizou de recursos mais reflexivos para tratar o assunto. Efeitos de luz e fogo trouxeram uma atmosfera introspectiva à cena.

E quem nunca desejou do fundo do coração matar alguém? Francisca, uma mulher que se percebe humilhada pelo marido tem esta vontade. A cena “Francisca” propiciou à platéia momentos de possível perplexidade e momentos de humor. A montagem carioca usou de simplicidade no cenário e apostou no desempenho das duas atrizes que seguraram a cena de maneira performática.

A terceira apresentação da noite “Corpo Fechado”, trouxe Mário de Andrade como participante de uma cerimônia com crendices e muito humor. Os efeitos sonoros e a interpretação dos atores deixaram a platéia bem à vontade para gargalhar e se impressionar com a cerimônia do Catimbó.

Para encerrar a noite, uma provocação interativa e chocante. Os atores da cena “Eu Me Vendo Por Muito Menos do que Você Paga”, do Conjunto Vazio, intimaram a participação da platéia com distribuição de tomates que serviram de “arma” a serem arremessadas nos personagens durante a apresentação. Além da participação efetiva do público outros elementos como projeções de imagens das pessoas que assistiam a cena, e dos próprios atores, serviram de cenário para as performances que variaram de um banho de moedas a um homem completamente nu atravessando o palco, aproximando a cena do formato de uma instalação. O resultado funcionou muito bem!

Máscara neutra para além do bem e do mau

2009-06-20T09:47:00.000-07:00

Por Breno Procópio

Sala de aula. O professor tímido e sério pede silêncio, é hora de começar a prova. De um lado o menino arteiro, esperto, pronto para dar o bote. Do outro, a garota estudiosa, compenetrada, “caxias”. Ao começar o teste, cada um reage como pode, até porque dentro da sala de aula, muita coisa pode acontecer...

Esta é a trama da cena “Dia da Prova”, que será apresentada pela Companhia do Ator Cômica, de Curitiba, neste sábado no Festival de Cenas Curtas. Pela segunda vez no palco do Galpão Cine Horto, a companhia utiliza a técnica da máscara neutra e da improvisação física como elemento principal de suas montagens. Segundo Edran Mariano, ator da Companhia e produtor da cena, a máscara teatral serve principalmente para o treinamento dos atores. “A função da máscara é isolar a voz e a expressão facial, que são os dois principais meios de interpretação. Ao usar a máscara quem está no palco precisa explorar de forma mais profunda a expressão do corpo, precisa ampliar a compreensão física”, explica.

A cena “Dia da Prova” foi retirada do espetáculo “Contas Diárias”, de 2005, produzida pela Companhia do Ator Cômico a partir dos estudos da máscara teatral. Nessa montagem, o grupo desenvolveu enquanto dramaturgia a linguagem não verbal, por meio de dramas vividos pelas personagens-máscaras. “Nós percebemos que todo mundo tem alguma conta para pagar diariamente. Seja com a família, ou na escola, ou no trabalho. Foi assim que nasceu o espetáculo”, conta Edran Moreno.

Em 2006, o grupo participou pela primeira vez do Festival do Cenas Curtas com “Milho aos Pombos”, eleita pelo júri popular como a melhor cena daquele ano. Retirada também de “Contas Diárias”, a cena contava a história de um casal de velhinhos que saía para passear todos os dias na praça para alimentar os pombos. Ao mesmo tempo, eles precisavam cuidar da sua própria sobrevivência. Por isso, eles escolhiam o pombo mais gordo que seria cozido e servido no jantar.

De acordo com Edran Moreno, diferentemente da cena de 2006 que explorava a expressão física da terceira idade, “Dia da Prova” faz uma junção entre o adulto e a criança para discutir a questão do bom e do mau. “Estamos falando da metáfora escolar, já que todos os dias estamos em prova. E é na sala de aula que encontramos a bondade e a maldade em sua formação”.

Leia também a entrevista com a atriz Karina Pereira, da Companhia Ator Cômico, que vai participar pela terceira vez do Cenas Curtas.

Dia de prova Curitiba/PR
Direção: Mauro Zanatta
Dramaturgia: Companhia do Ator Cômico
Elenco: Camila Jorge, Edran Mariano, Karina Pereira

Eu me vendo por muito menos do que você paga: Artaud reloaded

2009-06-20T09:16:00.000-07:00

Por Mónica Herrera

Algumas descobertas da segunda noite:

- o Conjunto Vazio não se vende, o público do Galpão sim;

- os tomates podres ainda têm capacidade de atingir distancias interessantes apesar do seu escasso peso;

- o público do teatro independente tem muita violência reprimida.

Suspeitas ainda questionáveis:

- os grupos anti-instituições já não jogam molotovs nas instituições mais comerciais, agora estão detonando aos “supostos” “independentes”?

Sem entender:

- porque todo mundo parecia achar que estava comprando quando estava se vendendo?

Confirmações:

- não ver na mera originalidade, ou na originalidade vazia, além de simpatizar com a irreverência, algo que motive.

Corpo fechado: a entrega ao teatro.

2009-06-20T09:11:00.000-07:00

Por Mónica Herrera

Nesta cena foi possível assistir a um espetáculo completo: poesia, música, dança, absurdo, domínio do corpo, uma entrega absoluta dos atores aos 15 minutos. Alexander de Moraes e Priscilla Duarte se desdobraram em Mário de Andrade e toda uma série de mestres numa coreografia maravilhosa, óculos que passavam, expressões faciais marcantes. Os criadores exploraram um certo viés etnográfico e a “vontade de rir”, traduzida em várias linguagens corporais, tais como dança contemporânea, por exemplo.

Nessa espiral de elementos diversos, de tanta cultura e mistura, a cena risca: a lua. En-tu-piu- a-pia! Aposta na música, no simbolismo, em Andrade, no lirismo. Seria uma ruptura? Será que a gente não tolera rupturas na continuidade das obras? Difícil, estamos acostumados a viradas mais radicais ainda.

O escritor argentino Ernesto Sábato afirma que acreditar em duas formas de mostrar uma “erudición irritante”: “una, acumulando citas, y otra, no haciendo ninguna.” A lua levou a cena ao ponto de saturação. Ainda assim, Corpo Fechado é um experimento maravilhoso.

Francisca: o doce encanto da perfeição

2009-06-20T09:09:00.000-07:00

Por Mónica Herrera

Do Rio de Janeiro a cena curta Francisca monstrou como a coordenação, composição e acabamento ainda montam uma formula certa para uma boa cena curta. Morena Cattoni e Tatynne Lauria aproveitaram a possibilidade de se desdobrar na personagem de Francisca e o marido, a partir de um texto e uma ação ordenada, sem renunciar ao humor e explorar as próprias qualidades expressivas.

Caixinha de lembranças: Gepeto visita a posmodernidade

2009-06-20T09:07:00.001-07:00

Por Mónica Herrera

Caixinha de lembranças contou com uma maravilhosa cenografia para apenas curtas boas aparições de bonecos. O teatro de bonecos faz efeito de defeito, nos costumamos esquecer o pessoal que vestido de preto, sabemos e mal percebemos nas trevas da apresentação. O que não foi o caso. Os problemas de iluminação foram recorrentes: as luzes pareciam cair sobre os rostos nus propositalmente, estragando a pareceria entre artista e publico necessária para que os bonecos sejam o centro da atenção.

O único personagem humano, aparente mistura de Zaratustra e Gepeto, não conseguiu dar conta do recado da trama, aliás, muito dramática, entre crítica, existencialista, niilista e contestatória. Por momentos, cínico, cansado, velho, revoltado, faltou-lhe força expressiva para a variedade de mudanças que a personagem propunha. Destacável, o que nunca deveria faltar numa cena curta: um final inesperado e eficaz. Nele concentrou-se um todo bem sucedido.

Crítica fechada: exercício do olhar

2009-06-20T06:11:00.000-07:00

Gabo Braga
Foi com um considerável atraso e com a casa lotada que começou na última quinta-feira, no Galpão Cine Horto, o 10º Festival Cenas Curtas. Como já era esperado, muita festa, muita comemoração e, assim, um clima de retrospectiva de sucesso invadiu o primeiro dia do evento.
Para começar bem, a cena convidada Boxe com Palhaçada, trouxe o desconhecido teatro amazonense para Belo Horizonte. Com um humor inocente e até um pouco previsível, foram necessários poucos minutos para conquistar de vez a platéia. Como se não bastasse, a cena extrapola o limite do palco e convida alguns expectadores para entrar em cena. Com um texto leve e agradável, transmite bem o que tem a dizer. Fazendo bem o uso de personagens articulados e a exploração do exagero, a cena volta a se apresentar no sábado e certamente conquistará novamente o público. Faltou apenas ousar mais. Nota 7,5.
Iniciando a etapa competitiva do festival, foi a vez da cena Malevolência, direção de Jonnatha Horta Fortes, entrar no palco. A peça é densa, o som é pesado, a performance é elaborada. Resultado disso? Uma cena fantástica. Rica em detalhes, os personagens fazem parte de um emaranhado grupo de sanguinários estereotipados e caricaturais que acabam se revelando dentro de si com um humor frio e sagaz. Não desgrudar os olhos da cena passou a ser um ritual de todos. O jantar das pessoas mais maldosas do mundo foi uma grande surpresa. Destaque para a atuação de todos os atores, impecáveis (Cynthia Paulino, Flávia Fernandes, João Marcos Dadico, Paulo Mandatti, Rodrigo Fidelis e Samira Ávila). Um excelente trabalho. Nota 8,5.
A noite seguiu com mais uma cena inovadora: 5 cabeças a espera de um trem. A peça dirigida por Byron O’Neill e Alexandre Cioletti foi elaborada exclusivamente para participar do festival e, de fato, agradou o público. De cara ela já foi bem recebida. A proposta de usar apenas as cabeças dos personagens nos vãos de uma enorme bancada se mostrou uma excelente estratégia de fugir do obvio e revelou o grande talento dos cinco atores (Carol Oliveira, Luisa Rosa, Mariana Câmara, Ronaldo Jannotti e Saulo Salomão). A cena se passa em torno de um mistério: Nick Van Drick voltará ou não com os cigarros que saiu para comprar 15 anos atrás? Com falsos dilemas existenciais, a cena é rica tanto na forma, como no conteúdo. Vale ressaltar os momentos de humor “moleque”, sem nenhuma preocupação e as intervenções musicais da cena. Simples, como toda grande idéia, 5 cabeças a espera de um trem é forte candidata a ser uma das melhores do festival. Nota 9.
Em seguida, subiu ao palco a cena O caminho do cemitério. A cena de Cristina Vilaça e Marcelo Cordeiro foi a que menos se destacou na primeira noite do festival. Pecou por explorar pouco a adaptação do conto de Thomas Mann, escrito em 1901. A história bonita e triste revela um conflito pessoal muito grande de seu personagem e toca em um lado que não havia sido exploda ainda, a comoção. Ponto forte foram os figurinos, a atuação de Cristina Vilaça, que conseguiu ser na maior parte da cena narradora e, ainda sim, se transformar, sem perder nenhuma magia, no personagem principal. Nota 7.
Pra fechar a noite de gala com chave ouro, a cena Para aqueles que lavaram as mãos entrou no palco com grande estilo. Foi a cena que mais se permitiu. Experimentou na trilha, no canto ao vivo, nos vídeos e na forte dramaturgia. Simplesmente desafiadora. Sob coordenação de Renato Bolelli e Vivianne Kiritami o cenário foi elemento vivo em cena. Sem se preocupar com o limite palco e platéia a cena agradou e merece um formato maior, que extrapole os quinze minutos do Cenas Curtas. Nota 8,5.

Riso e absurdo marcam primeira noite

2009-06-20T06:06:00.001-07:00

Por Maísa Gontijo

A grande fila formada em frente ao Galpão Cine Horto não deixa dúvidas: algo de grande está para acontecer no teatro. Trata-se da abertura das comemorações dos dez anos do festival Cenas Curtas. Em clima de festa, com direito a balas delícia e chapeuzinhos de aniversário, a fila aguarda ansiosamente o início das apresentações. Os personagens que ilustram o cartaz do evento tomam vida nessa edição, e chamam a atenção do público para a importância da data: “O que hoje em dia duram dez anos, gente?”. Na contramão da efemeridade das ações contemporâneas, o Cenas Curtas mostra que consegue não só resistir ao tempo, como também se desenvolver ao longo dos anos.

Mantendo o clima animado da festa, o grupo Compalhaçada sobe ao palco. A cara de choro da palhacinha que lamenta a perda do seu amor até tenta enganar, mas logo fica claro que é para fazer rir que o grupo se deslocou do Amazonas diretamente para o Galpão. A cena se desenvolve dentro de um ringue de boxe (ou ringuelê, como a personagem prefere chamar) formado por quatro espectadores. A platéia não poupou risos à interpretação de Ariane Feitoza, Idelson Mouta e Carlos Linhares, que conquistaram logo de início a simpatia do público ao cantarem os hinos do Galo e do Cruzeiro (vale notar que o primeiro foi mais aplaudido). Para os menos ligados ao futebol, a romântica palhaça entoa a música Fada, de Victor e Leo. Tais referências ao universo mineiro são apenas uma amostra do intercâmbio cultural entre os dois estados. O Breves Cenas, correspondente do Cenas Curtas no Amazonas, é uma prova disso. Inspirado no nosso festival, teve sua primeira edição em março deste ano e Boxe com Palhaçada foi a cena vencedora.

Depois da palhaçada, o clima foi outro. Personagens pálidos e sinistros tomam conta lentamente do palco, ao som de música sombria e um chocalho. No cenário, uma mesa, cadeiras e um barril. Tomava corpo a cena Malevolência-alguém tem que morrer, dirigida por Jonnatha Horta Fortes. As gargalhadas deram lugar à apreensão. Com uma breve observada ao redor foi possível reparar que ninguém se atrevia a piscar os olhos. Segundo o diretor, a cena retrata as maldades da sociedade, e os personagens para melhor dar corpo ao tema foram escolhidos pelos próprios atores. Um médico que se mostrava o mais doente entre os presentes, um terrorista árabe, uma cabeleireira-bailarina-princesinha, um maligno padre corcunda, uma mãe à la Mortiça e uma jovem que carrega poderosas facas foram os escolhidos. Os personagens se reúnem várias vezes em volta da mesa, representando uma espécie de jantar. Mas o importante não é o que acontece durante, mas sim após ele: a cada reunião alguém tem que morrer. E é assim que termina não só o jantar, mas também a cena: todos reunidos em volta de uma das personagens morta sobre a mesa.

Em seguida, 5 cabeças começam a cantar em coro: “Será o Nick Van Drick?”. 5 cabeças a espera de um trem é a próxima cena a se apresentar. Elas estão lá, há 27 anos, esperando um trem para a Polinésia passar. “Será que ele passa aqui? Será que ele chega lá? Devo comprar as passagens agora? E se o trem passar enquanto eu estiver no guichê?”. Dilemas... dilemas que passam por essas cabeças durante toda a cena que, bem ao estilo do teatro do absurdo, foi desenvolvida especialmente para o Cenas Curtas. Talvez seja por isso que as horas do relógio da estação insistam em não passar: 15 minutos é muito pouco tempo para o humor criativo e inteligente da cena, que começou com o canto, mas terminou com o silêncio.

O Caminho do Cemitério é uma adaptação de Thomas Mann que narra a trajetória de um viúvo alcóolatra indo visitar sua família, toda falecida. Na cena, a narração fica por conta da atriz Cristina Vilaça, que aos poucos vai se transformando no personagem narrado. Esse elemento cria uma confusão no espectador, que é levado a acreditar que as palavras da narradora se referem ao homem lá atrás do palco, que cria o caminho do cemitério enquanto a narração se desenvolve. No momento em que os dois personagens se encontram, Piepser, o alcoólatra, é acometido por uma ira quase ininterrupta. “A felicidade acaba com a dignidade humana”, afirma o personagem, que só acaba com o seu nervosismo quando finalmente chega de encontro à sua família. Morto.

Assim como começou, o dia termina com uma cena de fora: Para Aqueles que Lavaram as Mãos, de São Paulo. A cena mostra o envolvimento de dois homens, não homossexuais, que demonstram diferentes emoções um pelo outro. Momentos de briga, alegria, dor, intimidade... A mais profunda cena a se apresentar na abertura, Para aqueles que lavaram as mãos surgiu com a viagem do diretor Renato Bolelli à Turquia, onde observou a forma como os homens praticavam gestos de afeição um pelo outro, mesmo não envolvidos em uma relação homossexual. Projetadas no palco, cenas de mulheres que já existiram na vida desses homens; no meio da platéia, o cantor. A cena que mais ousou, com certeza.

Agora é hora de conferir os demais dias e escolher a melhor cena, que será agraciada com a quantia de R$ 5.000 para se desenvolver em um espetáculo.

Noite de comemoração e espetáculos

2009-06-20T06:01:00.000-07:00

Por Andreza Martins Barcelos

O relógio marcava 19h. A noite belo-horizontina se inicia e junto suas atrações. Bilheteria enchendo, pessoas subindo e descendo escadas, corre-corre dentro do Galpão Cine Horto e muita euforia lá fora. A fila já está enorme, tanto a de entrada quanto a de compra de ingressos, e a impaciência para que permitam a entrada se revela.

Para surpresa, e também conter um pouco a exaltação de ânimos, um casal de divertidos mestres de cerimônias aparecem em meio ao hall com chapeuzinhos de festa e taça de champanhe, para quê? Para comemorar os 10 anos do Festival Cenas Curtas.

Enfim, a entrada foi autorizada e o divertido casal guiou o público por um caminho que hospedava quadros em suas paredes que contavam a história do festival, ano a ano até chegar ao ano de 2009, o qual a comemoração teve direito a bolo confeitado, personalizado e balas delícias.

Ingresso entregue, ficha de votação de melhor cena nas mãos, está na hora de entrar no teatro, todos acomodados em seus lugares, ou melhor, quase todos, já que muitos infelizmente não entraram por falta de lugares, aguardando o início do Cenas Curtas 2009.

A luzes se apagam e um vídeo retrospectivo com depoimentos e imagens sobre os 10 anos de Festival é projetado e apresentado ao público. Findo o vídeo, aviso para que desliguem os celulares: vai começar!

Palhaços em cena com direito a participação da platéia, eram os convidados do Grupo Compalhaçada. A cena “Boxe com palhaçada”, que venceu o Festival Breves Cenas da cidade de Manaus, conta sobre dois palhaços que disputam o coração e o amor da palhaça em um ring de boxe.

Vermelho, branco, preto, cores foscas e um tom de mistério no ar, a cena “Malevolência”, dirigida por Jonnatha Horta, trouxe à mostra a perversão que está dentro de cada ser humano, independente de religião, credo ou cor.

Em seguida, a saga das cinco cabeças que há mais ou menos 27 anos estão na estação à espera der um trem e de Nick Van Drick, que foi comprar cigarros e nunca mais voltou, era a cena dirigida por Byron O’Neill, “5 cabeças a espera de um trem”.

Um miserável, alcoólatra e que morreu por uma indignação. Na cena “O caminho do cemitério” o público é conduzido por narrações, de Cristina Vilaça e Marcelo Cordeiro, que nos faz pensar sobre os motivos que cada um tem para agir de diversas formas perante sua vida.

Uma voz canta ao fundo, vídeos são projetados no tecido branco e dois corpos estão estirados no chão, “Para aqueles que lavaram as mãos” veio diretamente de São Paulo, com direção de Renato Bolelli, para colocar em discussão a situação da busca pela identidade masculina.

As luzes se acendem. Pronto, cinco cenas apresentadas, mas só quatro estão em votação, é hora de votar na melhor da noite. Escolha feita, ficha entregue, caminho de saída, afinal já são 23h45. Alguns seguem para o bar outros para casa. O teatro esvazia-se, mas fica uma certeza, amanhã a casa volta a lotar, afinal, hoje foi apenas o início, o primeiro dia do festival.

Crítica aberta: voz do público

2009-06-20T05:57:00.000-07:00

Gabo Braga e Maísa Gontijo

É inevitável não falarmos de evolução, aprimoramento ou até mesmo deja vus quando analisamos qualquer tipo de arte e sua linha cronológica. A evolução da arte é acompanhada pela própria evolução da crítica e seus frutos. Antes, grandes nomes como Machado de Assis, Vinicius de Morais eram, sem se especializar, grandes críticos culturais, sobretudo de teatro. Analisavam termos técnicos e contribuam para a evolução das artes. Mas de lá pra cá, o papel de critico se transformou. Virou uma agenda sofisticada. Hoje, a opinião de um crítico pode determinar um sucesso ou um fracasso de uma peça. Pode determinar a sua ida ao cinema. Mas será esse mesmo o papel do crítico? Será que o público é obrigado a concordar com a opinião de um especialista? Perguntas feitas, lacunas abertas. Abro mão da minha crítica pra deixar para expectadores da primeira noite do 10º Festival Cenas Curtas do Cine Horto essa tão temível/amável função.

Neste post, você encontrará algumas críticas recolhidas durante a noite. Umas sobre o efeito, outras sobre as cenas espeficas. Se você gostou ou não, deixe também a sua crítica. Afinal, uma crítica aberta e feita por todos e esse espaço também é seu.

Estênio Glauber, securitário, 28 anos.

“É a minha primeira participação no evento e Achei a idéia muito interessante, pois dá pra prestigiar várias cenas na mesma noite. AS cenas foram muito bem selecionadas”

CLeiton Túlio Albino Ferreira, Eng. Mecânico, 30 anos.

“A integração cultural entre os diferentes estados é um dos pontos fortes dos Cenas Curtas. Mostra que diante de tanta coisa ruim que noscerca, há muita gente comungando em fazer coisa boa”

Staphane Agnes Carvalho Coura, Estudante, 17 anos.

“A peça Malevolência é bastante complexa, pois é extremamente expressionista, nos levando a um estado de êxtase. Adorei realmente a cena, ela me causou muito impacto”

Thiago (?), Funcionário Público, 24 anos.

“Estou muito feliz com a qualidade das peças apresentadas. Ótimo evento. O único evento é a falta de espaço”.

Contribua para a Crítica Aberta deixando o seu post.

Apostas de risco no Festival de Cenas Curtas 2009

2009-06-19T14:38:00.000-07:00

Por Maísa Gontijo

Curtas da abertura da 10ª edição do Festival de Cenas Curtas

2009-06-19T14:04:00.000-07:00

por Sandro Henrique

Colocar planta para curtir em cachaça é costume mineiro: forma de permanência do gosto. Façamos aqui, então, uma forma de curtir as cenas, permanência do gosto, que se faz também pela linguagem escrita: exercício crítico, que interessa ao teatro como necessidade de se pensar o fazer artístico, registrar impressões e efeitos, permitir reflexões para experiências futuras. Novidade desta edição, o blog do festival, então, permite uma nova relação com a arte teatral, lançando mão de uma nova linguagem para sua reflexão, depois de já termos tido, em edições anteriores, a estréia dos bate-papos com os atores no dia seguinte à apresentação das cenas. Bate-papos que são significativos para a troca de experiência entre público, artistas e convidados. Façamos aqui, porém, de maneira menos demorada que planta em cachaça, mais próximo do sentido das Cenas Curtas, um exercício de críticas curtas, em notas que contemplem todas as cenas da estréia do festival em festa do seu décimo aniversário.

O grupo Compalhaçada, de Manaus, Amazonas, abriu o festival mineiro apresentando “Boxe com palhaçada”, cena convidada para intercâmbio com o Festival de Breves Cenas, que teve sua primeira edição em março deste ano na região. Bastou a introdução brusca com a voz de Maria Bethânia e o choro da palhaça de Ariene Feitosa diante da foto de seu amado palhaço para provocar os risos da platéia. Seguiu-se a entrada dos palhaços de Jean Linhares e Idelson Mouta para disputarem a moiçola, o que cria um curioso triângulo amoroso que, para ser resolvido, acabará num ringue de boxe. Vale destacar o uso de pessoas da platéia para a construção do ringue, inserção que não foi despropositada, de forma que se permitiu a inserção de elementos inesperados, aos quais os palhaços estiveram atentos, como por exemplo, a desatenção de uma delas. Além disso, o ringue vivo criado na cena ganhou outros papéis, como de técnicos dos lutadores e de “gongolo” dos rounds. Ficou clara também a bem-sucedida relação com a platéia que permaneceu sentada, mas que foi conquistada pelos palhaços, o que revela que a cena alcançou um dos elementos fundamentais do gênero clownesco a que se propôs: a empatia com o público.

Abrindo um parenteses para destacarmos o Festival de Breves Cenas: Diego Monnzah, um de seus organizadores, contou que a primeira edição do evento foi um sucesso de público, que além de lotar o teatro chegou a ocupar as cabines dos técnicos de som e luz para assistir às cenas! Segundo ele, grande parte do público voltava nos outros dias do festival, que ocorreu entre 10 e 15 de março deste ano. A estudante de direito Camila Abitbol veio junto com o grupo Compalhaçada e os organizadores do festival de Manaus para assistir também às cenas do festival mineiro e, como espectadora, ela diz que cada cena é um “pequeno gostinho para algo que poderia ser maior”, o que deixa vontade de ver mais! Para saber um pouco mais sobre o Festival de Breves Cenas ainda está na rede o seu site, pelo endereço http://www.festivaldebrevescenas.com/ e o blog da Cia. Cacos de Teatro, a qual nasceu a partir do sucesso do deste evento: www.ciacacosdeteatro.blogspot.com.

Que o grupo de Manaus não seja convidado para se reunir à mesa com o grupo da cena seguinte, “Malevolência – Alguém tem que morrer”, e o porquê já está indicado no título. Parecem ter saído da tela de um filme do expressionismo alemão, ou de criação do Tim Burton, os convidados malévolos da cena, cuja a obscuridade é menos para o medo que para o riso, mostrando que este não se faz apenas pela via colorida. Já que entre os presentes o desejo é que alguém morra, cada um se empenha em forma de torturar e matar o outro, que insiste em sobreviver. Um médico doente com sua seringa somente consegue maquiar uma bailarina gorda e desajeitada. A navalha de um possível açougueiro retalha as costas de um homem do qual só saem penas, como um travesseiro que se mantém inerte. O corcunda, talvez um padre, batiza uma mulher afogando-a à força num tanque, a qual, por sua vez, buscar sufocar um deles com seus cuidados maternais, ao alimentá-lo e fazê-lo dormir. Pela ironia, exagero e estranheza é escrachado aos olhos do público, o que costuma ser ocultado em pretensas confraternizações: os atritos, as aversões uns pelos outros.

O absurdo presente na “Malevolência”, permanece com “5 cabeças a espera de um trem”, porém não se tratam de cabeças cortadas servidas à mesa, como seria ao gosto dos malévolos da cena anterior. Parece se realizar cenicamente o trocadilho daquilo que é sem pé nem cabeça, da mesma forma que é o texto e como são as músicas cantadas pelas cabeças. Não é apontada nenhuma pretensão do foco sobre as cabeças como metonímia ou demanda de um “close cinematográfico” feito teatralmente. As cabeças no meio do nada não esperam Godot, mas “Nick Van Drick”, cujo nome, porém, remete aos personagens de Samuel Beckett, Vladimir e Lucky. A espera também é infundada, a hora no relógio não muda, a “polinésia” dada como possível destino é mais um nome qualquer de um lugar, que um espaço geográfico específico, e corre por hora assuntos como espirros. É importante destacar a movimentação das cabeças, e a dimensão que um piscar de olhos pode ganhar no palco, lugar a que o senso comum associa apenas aos movimentos amplos. É possível pensar que as cabeças apontam para o que não há em cena: a racionalidade, a lógica, a inteligência capaz de mover as pessoas, de fazê-las deixar o pasmo da espera vã. Nesse sentido, ironicamente, o que se mostra é o que está ausente, como forma de revelar aquilo que não se vê.

Saindo da espera, Cristina Vilaça e Marcelo Cordeiro se colocaram em '“O caminho do cemitério”. A cena é uma adaptação de um conto de Thomas Mann, que privilegiou o ato de narrar e a presença do gênero épico-literário, o que na contemporaneidade chega a parecer como ousadia, uma vez que tem sido recorrente a recusa da palavra. Enquanto se narra o caminhar de um homem, este o constrói com suas pedras, o que além de poder ser entendido como metonímia do caminho, remete também à vida do sujeito, cheia de percalços, identificada com a miséria e “infelicidade”. O primeiro narrador, em seguida, se torna personagem e cruza com o homem. Esse encontro acaba por se fazer como um embate. O homem, então, narra o que ocorre com aquele que encontrou. O que se sabe de cada um deles é pela voz do outro, o que se mostra como visões parciais, apontando para incompreensão humana, a incomunicabilidade entre os sujeitos. Dessa forma, a narração de cada um indica a cegueira daquele que fala em terceira pessoa com relação ao outro. Se o caminho é para o cemitério, este marca com a idéia de morte a possibilidade de pensar o conflito como questão existencial, e a pedra que não apenas no meio do caminho, mas deste feito dela.

Se as três primeiras cenas do festival pesquisaram a diversidade de elementos cênicos, focou em parte do corpo, ou mesmo revisitou o texto literário, na última cena da noite “Para aqueles que lavaram as mãos”, de São Paulo, foram usados vários recursos artísticos e exploração da relação com os objetos. A cena se iniciou com projeções de imagens, às quais se seguiu um canto em capela vindo da platéia. Dois homens, então, se movimentam e se tocam em cena: poucas palavras. As imagens projetadas não são realistas, mostram danças, esperas, olhares. É também por elas que se faz a presença feminina: apenas como projeções, na ordem do inapreensível, ao qual apenas se pode vislumbrar. Os homens brincam entre si, formam caminhos de areia em cena, se tocam e afastam, o que insere a temática homoerótica, também sem ser apreendida, totalmente, sem realização plena na descoberta de um pelo outro. Os dois acabam por brincar com água de mangueira e divertem-se. A água escorrendo de um objeto que pode ser visto como fálico, simbolicamente, pode apontar para idéia do gozo possível entre os dois, que acabarão por turvar a visão do encontro entre eles em uma tenda. Como nos diz a letra do canto, que acaba por se fazer dentro do palco: partem no vapor do mar, e por ele se dissipam.

Stop! O teatro-minuto do 10º Festival de Cenas Curtas: movimento, instante e permanência

2009-06-19T14:03:00.000-07:00

por Sandro Henrique

“Stop./ A vida parou/ ou foi o automóvel?” Emblemático poema-minuto do modernismo brasileiro, “Cota Zero”, de Carlos Drummond de Andrade, coloca em tensão a velocidade, emergente da sociedade das primeiras décadas do século XX, e o estático, vida e modernidade, na captura do instante fixado no poema, e, ao mesmo tempo, sua fugacidade. O poema-pílula do poeta mineiro em sua concisão é irônico quanto o tema e, simultaneamente, dá-lhe forma: expressão de muitas idéias em poucas palavras. Dessa forma, parece-nos figurar o Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto, que estreou nessa quinta-feira sua décima edição, na qual propõe a expressão cênica em no máximo quinze minutos: incursão em uma espécie do que aqui poderíamos apelidar de “teatro-pílula”, “teatro-minuto”, em tempos de aviões a jato, do trem bala e Internet banda larga. Se a proposta do festival não prevê a recepção isolada das cenas no curso tumultuado do cotidiano, já que a cada dia do evento elas são apresentadas em conjunto, como os poemas-piadas modernistas, por outro lado, eles concernem na idéia da expressão 'muito em pouco tempo'. Em contexto, o festival expressa também a emergência da sociedade contemporânea, em que se sente o desejo da pausa, mas sua recusa demandada pelo pragmatismo do dia-a-dia. Tensionam-se assim no Festival de Cenas Curtas, na forma e nas idéias, o desejo de fazer teatro, a busca pela sua realização, e em mover a cena teatral brasileira, pela via do risco do tempo curto, que acentua o caráter efêmero da linguagem teatral. Escapam do público do festival os instantes das cenas, porém, elas permanecem na memória, e também na possibilidade de ampliação do projeto, gerada pela experiência da cena curta.

Além da relação com a literatura, é interessante observar que o mesmo caráter da experimentação ocorre também no cinema. O Festival de Curtas que acontece anualmente no Palácio das Artes é um dos exemplos de como o formato menor, que exclui as prerrogativas comerciais e também, em grande parte, o ônus de uma grande produção, permite ao artista na limitação do tempo a expansão de possibilidades da arte cinematográfica. Isso revela o consenso do teatro com outras artes, acompanhando o fluxo da renovação e do seu desenvolvimento.

Comemorando seus dez anos, a abertura do festival contou ontem com um vídeo relembrando momentos das edições passadas com vários nomes da cena brasileira que tiveram trabalhos que irromperam a partir a experiência do Cenas Curtas. Artistas como Grace Passô, Anderson Aníbal, Lenine Martins, Rita Clemente e Odilon Esteves, em nome de suas companhias, destacaram a possibilidade de experimentar linguagens teatrais, o teste da capacidade de síntese e expressividade, na simultaneidade do velho e do novo: o que já se tem agregado do teatro e do que está em devir. Assim, o Festival de Cenas Curtas é oportunidade de não ficar calado, parado: a experimentação da ação, a palavra, o corpo, a voz e os diversos elementos de composição cênica. Stop para curtir às cenas: instante que escapa, experiência que permanece.

Uma oferta que não pode deixar passar!

2009-06-19T10:17:00.000-07:00

Por Monica Herrera

Nesta sexta-feira, o Conjunto Vazio apresenta “Eu me Vendo por Muito Menos do que Você Paga” com uma proposta tentadora desde o início: “Esperando Debord falhou e é preciso enterrá-lo.” Opa! Eu, uruguaia, além de receber piadas sobre futebol, cada vez mais freqüentemente, tenho visitado e morado no Brasil por causa de meus estudos desde o ano 2001, seguindo com interesse o grande impacto de Beckett na cena teatral de quase todo o país. Será que o Conjunto Vazio vai questionar o grande dramaturgo e a essa poderosa forma de nos aproximar do mundo que é o autor de “Esperando Godot” ou “Fim da Partida”?

Na seguinte linha, no entanto, o Vazio parece se retrair desta empresa talvez titânica: “Não queremos mais fingir que isso tudo não é um espetáculo, tudo aqui é potencialmente falso e você pode simplesmente responder 'Isso é óbvio, estamos no teatro!' ou se perguntar 'será que não estou cansado de tanta mentira e cinismo?' É só fazer sua escolha!” Ambíguo, pensei. Cinismo do cinismo? “Simplesmente” ironia ou chegarão ao sarcasmo? Ou à crueldade?

Sugeriram-me assistir ao ensaio. Achei que sim. Hesitei. Não queria ter uma resposta minha antes de ver a cena curta. De alguma forma, sei que eu chegaria a alguma conclusão que estragaria todo esse suspense que eu ainda tenho. Eles eram ainda mais provocantes: “Mas sabemos que toda nossa retórica vazia já indica o óbvio: não é preciso nenhum discurso, não há nada que não será visto e assimilado como espetacular e, principalmente, você perceberá que nós nos vendemos por muito menos do que você paga! E você, por quanto quer nos comprar?”

Finalmente decidi enviar uma oferta por correio eletrônico:

... estaria interessada em fazer-lhes uma “mini-entrevista/oferta” que consistiria em R$ 1 e uma pergunta: Consideram que o Beckett ainda é uma fonte fértil para o teatro brasileiro independente ou que já tem virado um lugar comum e portanto está ficando esgotado e suas encenações estão sendo povoadas de recursos teatrais que mostram isso?

Se vocês não têm interesse em responder, eu pago a segunda parte da minha oferta (R$ 1) no dia da apresentação da cena. Estou disponível para me deslocar para ouvir sua resposta, ligar ou ler a mesma, de acordo com o que vocês avaliarem que seja melhor.

Obrigada pela atenção, e se for o caso, desculpem o incômodo.

E aguardei. Já passaram seis dias. Talvez eles aceitaram minha oferta! Ou eles acharam minha pergunta pouco interessante. De fato, eu nem sequer tenho certeza de que eles tenham recebido a mensagem. Porém, hoje, vou assistir ao X Festival de Cenas Curtas com meu R$ 1 no bolso.

Não fique à espera!

2009-06-19T09:00:00.000-07:00

Por Andreza Martins Barcelos

Com desejo de participar do Festival Cenas Curtas, o diretor Byron O’Neill e sua equipe correram atrás do trem, ou melhor, estão a espera de um trem, quer dizer, eles se juntaram para produzir a cena “5 Cabeças a Espera de um Trem”. Confusões à parte, diferentemente do título da cena, seus produtores não ficaram a espera e, sim, correram em frente com o processo de elaboração da cena que segundo Byron “foi muito trabalhoso, porém, muito gostoso”.
Nem trabalho nem estudo foram motivos para atrapalhar o processo de produção, que aconteceu muitas vezes em horários “alternativos”, nunca antes das 22hs. A amizade entre os integrantes do grupo foi muito importante durante esse período, o texto e as músicas foram feitos em meio à descontração de exercícios de improvisações e jogos cênicos. “Quando trabalhamos entre amigos tudo fica mais fácil”, diz Byron.

As influências adotadas são muitas: filmes, livros, peças teatrais e até mesmo os próprios integrantes do grupo. A maioria da equipe é estreante no festival – exceto Marcelo Aléssio, que tem a função de apoiador de cena, e no ano de 2008 participou como ator em “Como uma Flor e um Cachorro”.
Byron conta que o título foi dado pelo fato de que na cena é retratado que 5 cabeças estão a espera de um trem há 27 anos, e deixa o recado: “o importante não é saber de onde vem o trem e, sim, para onde ele vai”.
Então... Embarque nessa viagem! Mas com cautela, não vão perder a cabeça!

Ficha Técnica:
Byron O’Neill – diretor / dramaturgo / produtor
Alexandre Cioletti – assistente de direção
Rafael Nelvam – músico/trilha sonora original
Daniel Mendes – criação de maquiagem/maquiador
Ronaldo Jannotti – ator / produtor / fotógrafo / iluminador
Mariana Câmara – atriz
Carol Oliveira – atriz
Luisa Rosa – atriz
Saulo Salomão – ator
Marcelo Aléssio – apoio em cena/olhar de fora
Gilberto Faves – cenógrafo e cenotécnico
Maria Guiomar da Silva– concepção de figurino e apoio de cenário

Cena espetáculo é mais um estímulo aos participantes

2009-06-19T08:34:00.000-07:00

Por Brígida Alvim

Uma novidade trazida pela nona edição do Festival de Cenas Curtas agregou mais valor às premiações: o Cena Espetáculo, em que uma cena de Belo Horizonte é eleita para se transformar em espetáculo, com apoio e infraestrutura oferecidos. Com a iniciativa, o Galpão Cine Horto pretende ser um pólo agregador de idéias e propostas artísticas. O coordenador geral do espaço, Leonardo Lessa, destaca que a iniciativa nasceu por consequência natural do próprio festival, espelhando-se na ação espontânea e já recorrente de montagem do espetáculo a partir da cena, por parte dos artistas. A seleção é feita por comissão especializada, composta por membros do Grupo Galpão e convidados, que avaliam critérios como qualidade da cena, o potencial de se transformar em espetáculo, assim como o de seus criadores em executar a empreitada.

Em 2008, a cena que preencheu tais requisitos e recebeu a premiação foi Av. Pindorama, 171, dirigida por Henrique Limadre. Segundo o diretor, o Cenas Curtas é local muito propício para experimentações, como descreve: “Estávamos num momento de experimentar a linguagem e queríamos ter o gostinho de testá-la numa cena de 15 minutos. Foi ideal porque o clima de competição e a oportunidade do voto deixam o público quente, participativo. Com isso, recebemos retorno imediato sobre a funcionalidade da linguagem: fomos eleitos pelo júri popular como a melhor cena da noite”.

Consolidado a partir dessa experiência, o Teatro 171 estreou em março de 2009, com temporada entre os dias 5 e 21, no Galpão Cine Horto. “Transformar o Av. Pindorama em espetáculo já era um desejo nosso desde a preparação da cena, quando começamos a discutir as primeiras idéias. Mas a premiação fez com que pudéssemos antecipar a realização do projeto”, conta Fabiana Bergamini, que compõe o elenco junto a Patrícia Diniz, Marina Viana, Cléo Magalhães e Gabriel Castro.

O grupo reconhece o Cena Espetáculo como um marco na concepção da peça, mas argumenta que a falta de recursos financeiros (que até então não era incluído na premiação), foi fator que dificultou significativamente a realização. Por outro lado, pondera Fabiana, “as dificuldades foram determinantes para gerar crescimento e autoconfiança no grupo”. Para vencer o problema, já que o projeto também não foi aprovado em leis de incentivo à cultura, o Teatro 171 desenvolveu uma campanha para captar recursos por meio de vendas de ingressos antecipados. A campanha Bananas aos Ventos arrecadou em torno de R$6.500 graças à mobilização dos artistas e à confiança do público. Com isso, demonstrou que antigas formas de se realizar projetos artísticos podem servir de alternativas viáveis nos dias de hoje.

“Foi uma das coisas mais bacanas que já vi acontecer na cidade, em termos de mobilização para se concretizar uma proposta artística. O mercado está muito limitado ao formato de leis de fomento a patrocínio, que parece ter se tornado um modelo. No entanto, não devemos condicionar nossos projetos a esse formato apenas, pois não é a única forma de captar recursos”, recomenda Leonardo Lessa.

Sobre a falta de verba para a montagem em 2008, Lessa justifica que, por se tratar de um projeto piloto, não houve condições de oferecer o recurso na ocasião. Já na 10ª edição, o projeto vai oferecer R$5.000 como auxílio-montagem. “Sabemos que não é suficiente, mas pretendemos amenizar as dificuldades sem desestimular as iniciativas por parte do grupo. Por respeitarmos a autonomia dos artistas, consideramos importante que tenham oportunidade de buscar alternativas de financiamento e parcerias”.

Outro importante recurso implementado nessa edição como facilitador da transformação da cena em espetáculo é a orientação no processo de criação do trabalho, pelo dramaturgo Luís Alberto de Abreu. “Vamos oferecer esse apoio porque transformar uma cena de quinze minutos em espetáculo é, acima de tudo, um desafio dramatúrgico. Outros elementos como linguagem, direção e atuação já vêm definidos na cena”, explica Leonardo Lessa.

Av. Pindorama, 171: encontros e acontecimentos

Av. Pindorama, 171 foi criado em um processo colaborativo pelo grupo e carrega nítidas influências do dadaísmo, surrealismo e modernismo. Tem como tema norteador o Brasil e suas contradições socioeconômicas e culturais, representado por cinco personagens e seus respectivos universos, dentro de um contexto urbano contemporâneo. A camelô Kátia Vanderlúcia, a aliciadora de mulheres Suelen, que combina encontros pelo telefone público, “Loirinho”, o entregador de pizza, e “Guru”, o “doidinho de rua” que exibe uma crença religiosa em meio ao caos, são ícones que dão vida à cena ressaltando temáticas socioeconômicas, de sexualidade, de sincretismo religioso, entre outras. Um fato é elo de ligação entre esses personagens: o atropelamento que causa a morte de um cidadão comum. Os vários pontos de vista que narram o fato, cada um contextualizado a seu universo, oferece elementos que proporcionam aos espectadores, além de muita diversão, uma reflexão ampla.

O 171 demonstra autenticidade por possuir identidade própria de estética e linguagem, que tem como principal característica a ironia e a crítica, capaz de provocar riso e constrangimento. Um trabalho intenso de pesquisa foi realizado com o objetivo de criar um paralelo entre aspectos da realidade brasileira atual e acontecimentos históricos da antiguidade. As associações atravessam séculos e barreiras geográficas. Um destaque importante nesse sentido é a reflexão levantada acerca das embarcações européias colonizadoras da América Latina e as possíveis consequências assinaladas no comportamento de ícones populares.

Outros trabalhos do Teatro 171, em circulação:

- O Circo do Lixo, direção de Eduardo Moreira e Chico Aníbal;

- Cabaré da Loucura, direção de Docimar Moreira, em cartaz esse mês no projeto Bar de Papo, em Juiz de Fora e Barbacena.

Para saber mais sobre o grupo, acesse http://teatro171.bogspot.com/

Circo, bonecos, vídeo e cinema: fique atento para o 10º festival de Cenas Curtas Galpão Cine Horto

2009-06-18T12:26:00.000-07:00

Por Mónica Herrera

Se você é uma pessoa que costuma frequentar ambientes que pessoas “de teatro” gostam de frequentar, seguramente você está familiarizado com expressões do tipo “experimental”, “clown”, “consciência do corpo”, “orgânico”, “palhaço”, “ação física”, provavelmente ouça falar de Stanislavski como se fosse alguém nascido no século passado (e não no anterior), e de Grotowski como se fosse uma grande promessa ainda (ainda!). Fique tranqüilo: o mundo não é um absurdo, nem todo mundo virou palhaço. Pelo menos não é tão simples assim, e antes de se adentrar em obscuras areias metafísicas para explicar este fenômeno, melhor seria refletir sobre os eventos culturais que aconteceram em Belo Horizonte no mês de junho e no que ainda está por vir.

De 7 a 14 de junho, tivemos uma ótima oportunidade para ver convergir na tela o circo e a sétima arte. O circo no cinema uniu ao Palácio das Artes e à 2ª Mostra e Olimpíada de Artes Circenses sob o objetivo de promover as artes circenses. E não é por acaso que isto é notícia para o mundo do teatro também. Se tivéssemos que pensar o quanto se pode aprender da “consciência do corpo” assim como ficar de forma “orgânica” em cena apenas dando uma olhada nos bons acrobatas ou ao uso da acrobacia que estão fazendo atores e atrizes no palco e na rua. Das técnicas do palhaço e suas múltiplas possibilidades, pode-se dar uma boa prova neste X Festival de Cenas Curtas tanto com a cena convidada e fora de concurso “Boxe com Palhaçada”, de Manaus, que será apresentada quinta-feira e sábado, assim como “O Sequestro”, de Salvador, fechando o domingo.

Até este momento do artigo, só consideramos os narizes vermelhos, porque o humor e o absurdo vão estar presentes em muitas outras cenas, porque o clown não necessariamente precisa da fantasia do palhaço. De fato, assistir a um filme como “O Circo”, de Charles Chaplin, pareceria não precisar de justificativa nenhuma. Se você teve a oportunidade de olhar o trabalho de um clown, no desenho com luz em movimento, não perca a chance de apreciar as diferenças da ação e direção sem edição. A ação no palco é diferente da ação na tela, tem outros recursos, outros tempos, mas, mesmo assim, o mundo de hoje nos convida a estabelecer laços entre as diferentes técnicas. Duas cenas nos convidam explicitamente a fazê-lo. Desde o conteúdo, a partir de referências – associações e confusões - como o músico Itamar Assumpção, o cineasta David Lynch e seriados de TV, direto de Curitiba, o Teatro de Breque apresenta “O Beijo”, no domingo. Mas também com a integração de uma nova temporalidade no teatro através da incorporação do vídeo e de performances mais ágeis, peças como “Para aqueles que lavaram as mãos”, na quinta, prometem uma mostra de novas tendências no palco que sugerem um up date do teatro aos ritmos de artes mais novas como o audiovisual. O que não pode, ou pelo menos não deveria ser ignorado por ninguém que tenha assistido ao VII Festival de Cinema e Vídeo, que aconteceu de 4 a 7 deste mês, no Palácio das Artes.

Finalmente gostaria falar de bonecos. De 5 a 14 de junho, também foi possível assistir ao X Festival Internacional de Teatro de Bonecos. Um evento de qualidade, sem dúvida, com bonecos de diferentes formatos. O teatro de bonecos tem sido, desde longa data, objeto de fascínio por parte dos amantes da arte. Mesmo quando eram dirigidos somente por uma limitada maquinaria, os bonecos seduziam ao seu auditório pela sua habilidade, exatidão, precisão. E agora, com mais possibilidades em aberto, souberam fazer talvez melhor ainda que os humanos, efeito do defeito: fazer-nos esquecer ou nos deliciar com aquilo que, no início, poderíamos rejeitar. Neste X Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto, você não pode perder na sexta-feira “Caixinha de Lembranças”, do Grupo Caixa 4, de Belo Horizonte.

Mas também não pode perder as outras cenas, por tudo o que elas têm a ver com as outras artes, com o passado e o presente, e porque você ainda pode se surpreender.

Cenas curtas e a arte curitibana

2009-06-16T17:25:00.000-07:00

Formada pela Faculdade de Artes do Paraná e com passagem pelas companhias Damasceno e Senhas de Teatro, a atriz Karina Pereira se prepara, mais uma vez, para pegar a estrada. De Curitiba ruma para a Belo Horizonte como uma das participantes da 10ª edição do Festival de Cenas Curtas. Será a terceira vez que ela desembarca no evento do Galpão Cine Horto.

Na estreia, em 2005, mostrou Vácuo, em 2006, Milho aos Pombos, eleita como uma das melhores pelo júri popular daquele ano. O que traz Karina novamente a Belo Horizonte é Dia de Prova, cena da Companhia Ator Cômico, com direção de Mauro Zanatta. A pequena montagem explora máscaras neutras e improvisação corporal.

Em entrevista para o Blog Cenas Curtas, Karina conta sobre a sua formação, o trabalho que vem desenvolvendo com o grupo Ator Cômico, em especial as técnicas que serão apresentadas.

Por Breno Procópio

Fala um pouco pra gente da sua formação como atriz?

Eu trabalho com teatro amador desde os 12 anos de idade. Em 2003, me formei pela Faculdade de Artes do Paraná. Ainda na graduação conheci a Cia Senhas de Teatro e fiquei lá um tempo. O grupo trabalha muito com o texto, com os elementos da dramaturgia. Há quatro anos eu conheci o Mauro Zanatta e me identifiquei com o trabalho que ele desenvolve na Companhia Ator Cômico. Essa técnica da máscara expressiva e da máscara neutra, da improvisação e do clown, descobri com o Mauro. Acho que a máscara serve de preparação para o trabalho do ator. É preparação para o corpo. Com a máscara o ator tem que abrir mão da expressão facial e da voz, tem que explorar todas as possibilidades da expressão corporal. Você precisa colocar o corpo em prontidão. O corpo todo tem que estar presente.

E como foi a sua primeira participação no Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto?

Foi em 2005. Eu estava ainda na Cia Senhas de Teatro. Nós apresentamos Vácuo em que eu fazia uma adolescente de 13 anos que tinha tara pelo namorado da própria mãe. A cena tinha uma coisa de Nelson Rodrigues. No final ela subia no apartamento do cara e se jogava do décimo andar. Foi bacana essa primeira apresentação no Galpão. Estreamos Vácuo no festival, em Belo Horizonte, depois fizemos em Curitiba e outros lugares. Em relação ao público posso dizer que foi impactante (risos). O pessoal ficou “nossa o que eles fizeram”. Talvez pela cena não ser linear tenha sido difícil para as pessoas. Mas foi muito boa a primeira vez. Além disso, o pessoal do Galpão nos recebeu muito bem. Eles mostraram o teatro, nos deram até um livro que contava a história do grupo.

E a segunda participação no Cenas Curtas como foi?

Em 2006, eu apresentei Milho aos Pombos, já pela Companhia do Ator Cômico. A cena faz parte do espetáculo Contas Diárias, que a gente montou e apresentou em Curitiba. Foi muito especial. A gente não imaginava como o pessoal ia receber. Quando nós entramos, duas velhinhas caminhando de mãos dadas o público gritou: “Ahhhh!! Que lindo”. Depois quando as velhinhas matam o pombo para comer o pessoal ficou assustado. Mas mesmo assim, adoraram. Quando nós fomos escolhidos como a cena mais votada, ficamos maravilhadas. Milho aos Pombos foi apresentada também em Ipatinga.

E como você vê o Festival de Cenas Curtas do Galpão hoje?

O Festival de Cenas Curtas é um pontapé para as cenas se transformarem em espetáculo. Pra gente é importante mostrar o que estamos fazendo em Curitiba. Quando fizemos Milho aos pombos no Cenas Curtas, fomos convidados depois para o Mercadão do Rio de Janeiro, onde a cena foi ficou com o segundo lugar e eu ganhei o prêmio de melhor atriz do festival. Depois fomos para Sorocaba e outros lugares. Acredito também que o festival favoreça a troca de experiências. O Galpão é bacana nisso.

E qual é a expectativa ao participar pela terceira vez do Festival do Galpão?

Espero que as pessoas gostem da cena. Quem sabe a gente possa ficar em Belo Horizonte e apresentar mais um fim de semana. Dia da Prova faz uso das máscaras expressivas, espero que o público goste e tenha uma outra experiência com essa técnica.

A arte dos bastidores

2009-06-16T16:56:00.000-07:00

Por Flora Pinheiro e Larissa Souza

Primeiro dia de ensaio no Galpão Cine Horto, momento de conhecer o espaço, fazer marcações de cena, pensar os contrastes de luz em relação aos elementos do cenário. Quinze minutos é o tempo máximo, e tudo tem que se encaixar: o trabalho visual, sonoro e coreográfico dos últimos meses tem que estar perfeito para a apresentação do dia 20 de junho, dentro da programação do 10º Festival de Cenas Curtas.

A cena “Todos os Animais São Iguais, mas Alguns Animais São Mais Iguais que Outros”, com direção de Luiz Carlos Garrocho, foi a primeira a ser ensaiada. Um banco com quatro lugares, boneca amarrada a uma corda, revólver, pin-up de papel. Três atores em cena e um diretor, que lança a questão: “Que tal uma cor vinho? Ou ficaria melhor envelhecido?”. A preocupação com as cores do banco usado no cenário é nítida, assim como a necessidade de um aquecimento na sala ao lado, antes do ensaio geral. Por cerca de 40 minutos, movimentos de ioga, expressão corporal, olhar, equilíbrio, sincronia e respiração são trabalhados por toda a equipe.

Com caráter de exercício e experimentação, os atores e o diretor vão em conjunto definindo o próximo movimento. Minuto a minuto, Garrocho para o ensaio para alguma correção. Por se tratar de uma cena que não usa a linguagem verbal, o cuidado com os movimentos e as feições precisa ser grande. “Explorem os vazios”, “Não pode perder o foco um minuto”, “Está faltando a repulsa e a atração no meio”, “Tem que ter resposta sinestésica, simultânea e sutil”, “Olhar pra frente dá mais equilíbrio” são algumas das indicações dadas pelo encenador.

Uma parte do ensaio é reservada para os atores conhecerem e explorarem o espaço, “1ª fase é de pesquisa aleatória, a 2ª fase é pesquisa editável. Explorem o espaço como se vocês fossem crianças”, incentiva o diretor. Sem roteiro para se apoiar, o desafio se torna sintetizar o processo de pesquisa e levantamento de material, dentro do tempo estabelecido. O resultado foi um novo universo configurado, no qual os egoísmos, covardias, medos e epifanias dos personagens são discutidos através de olhares flutuantes e expressões corporais.

O título é algo a mais para os espectadores refletirem, a frase foi retirada do satírico livro de George Orwell, “A Revolução dos Bichos”, em que as características dos homens e animais passam a se entrelaçar, e a distinção entre eles se torna impossível. “Se as pessoas conseguem construir um sentido no que veem, então a gente está em um caminho de possibilidades. Temos que ver se as pessoas estão convidadas a entrar nesse quebra-cabeça, onde imagens estão sendo manipuladas, onde há traços de expressões que cada um pega, que cada um puxa, que só acontece quando se dá ao olhar”, comenta Luiz Carlos Garrocho.

A segunda cena ensaiada, foi “A Mudança”, produzida pela Cia do Chá, grupo formado por alunos do curso de teatro do Palácio das Artes.

Criada especialmente para o Festival de Cenas Curtas, a cena é livremente inspirada na obra "A Metamorfose", de Franz Kafka, mas sem o objetivo de ser totalmente fiel ao texto. “Primeiro é uma inspiração, mas depois que vamos para parte prática, a gente descobre outras coisas, começa a virar uma outra obra”, explica o ator Marcus Vinícius Souza.

Pelo espaço, móveis de madeira: uma cadeira, um criado mudo, uma mesa de centro e uma mesa com quatro gavetas (azul, vermelha, rosa, bege). Arrastam-se móveis pra cá, arrastam-se móveis pra lá. “Não, não tá bom. O espaço tá muito grande, tá fugindo do enquadramento”. O diretor Francis Severino dá as específicas coordenadas para a melhor posição dos elementos no cenário, móveis são arrastados aqui e acolá. Os quatro atores exploram o espaço, circulam, fazem exercícios faciais e movimentos diversos, dessa vez o aquecimento é no palco. Alguém solta a música e a preocupação com o tom da voz prevalece, um dos atores passa o texto, “Dá pra ouvir direito aí atrás?”, a resposta positiva vem de alguém da produção.

Tudo certo, móveis em seus respectivos lugares, música no volume adequado, atores vestindo o figurino, com seu jogo de cores salmão e verde. O ensaio começa e a cena é passada uma, duas, três, quatro vezes, e por aí vai, a ponto de se perder a conta. A cada encenação, o esforço dos atores é revelado através das camisas suadas, cabelos bagunçados, rostos cansados e vermelhos. O diretor acompanha sentado na plateia, mas é como se estivesse dentro de cena, bate palma para dar ritmo à encenação, dá dicas de movimentos e entonações das falas, batuca a mão nos joelhos conforme a música, abaixa e levanta de acordo com o movimento dos atores. Já quase no final, um imprevisto acontece, um pé do criado mudo quebra, mas, em menos de cinco minutos, aparece alguém trazendo cola. “Imagina se isso acontece na hora? Ainda bem que foi hoje”, observa uma das atrizes.

Roteiro feito, falas decoradas, cenário escolhido, trilha sonora editada, cena ensaiada incansáveis vezes, o grupo parece pronto. Com uma linguagem diferente da adotada pelo primeiro, a Cia do Chá discute uma mudança que não é só física, como pode parecer no primeiro momento, mas principalmente uma alteração de comportamentos, atitudes, sentimentos e opiniões.

Silêncio, sincronia, atenção, respiração ofegante, suor, concentração, dedicação, equilíbrio, olhar, repetição. O ensaio é tão importante quanto, ou até mais, que o dia da apresentação. É a partir da preparação e do esforço envolvido nesse processo que o sucesso do espetáculo será defenido. Porque afinal, '"aquele dia é agora”, Luis Carlos Garrocho.

O 10º Festival de Cenas Curtas já começou!

2009-06-04T15:08:00.001-07:00

É com muita alegria e renovação que o Festival de Cenas Curtas comemora 10 anos em 2009! Ao longo dessa década de atividades, já foram mais de 150 cenas apresentadas, entre 1.000 inscrições de 12 estados do país. Sucesso consolidado entre artistas e público, o Festival sempre buscou estimular a criatividade, reunir artistas, revelar novos talentos e proporcionar ao público acesso a uma diversidade maior de linguagens teatrais.

Tradicionalmente organizado em formato de mostra, o “Cenas Curtas” reúne todo ano 16 cenas de palco, ao longo de quatro dias de apresentações. Dessa mostra, são escolhidas, pelo público, as quatro melhores cenas (uma de cada dia) que, juntamente com uma cena escolhida por uma comissão especializada, cumprem curta temporada no Galpão Cine Horto.

Em 2008, o Festival de Cenas Curtas ofereceu aos participantes três novidades que foram um sucesso. Além das cenas, o público pôde conferir o projeto “O dia seguinte...”, que promoveu o encontro entre artistas e público para um debate sobre as apresentações de cada noite. Outra novidade da 9ª edição do Festival foi a participação da jornalista Soraya Belusi, do jornal O Tempo, publicando em nosso site, a cada dia, uma resenha sobre a noite anterior. Por fim, o Galpão Cine Horto inaugurou em 2008, o “Cena-Espetáculo”, elegendo uma cena de Belo Horizonte apresentada no Festival e oferecendo apoio e infra-estrutura para que seus criadores desenvolvam sua pesquisa e a transformem num espetáculo com temporada de estréia em nosso teatro.

Para 2009 essas novidades se mantêm e outras mudanças serão oferecidas aos participantes e ao público. O “Cena-Espetáculo” agora conta com um recurso de auxílio-montagem de R$5.000,00 e ofereceremos a orientação no processo de criação do trabalho com o dramaturgo Luís Alberto de Abreu. As cenas de rua não fazem mais parte da programação do Festival. Essa mudança se deu por acreditarmos que o Teatro de Rua precisa de ações de fomento mais direcionadas – como é o caso do projeto Cine Horto Pé na Rua, que realizamos desde 2005. Esperamos, assim, incentivar de forma mais efetiva a criação teatral para rua, com mais espaço e destaque em nossa programação. Encerrando a programação, o 10º Festival ainda terá uma super festa de aniversário, com convidados musicais ilustres, que agitarão o público em uma noite de muita animação.

É nesse clima de comemoração e festa, que o Galpão Cine Horto espera celebrar os 10 anos do Festival com mais uma edição de sucesso. Confira a programação e participe!

Para relembrar, confira um trecho da cena "A debutante", do 8º Festival de Cenas Curtas, em 2007: